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SUMMARY:MUNDOPOLSKI. La Guerra contra los Tristes
DESCRIPTION:¿Quién detiene a los que sueñan?  Con esta pregunta arranca “Mundopolsky. La guerra contra los tristes” Un espectáculo que habla sobre el amor\, la alegría\, los sueños y nuestras propias contradicciones. Un canto a la esperanza\, a buscar la felicidad\, cueste lo que cueste. Porque\, a pesar de todo\, nos merecemos la risa. \nSalvache Cultural\, productora aragonesa de reciente creación\, adapta el texto original escrito por Jon Gereidiaga y Unai Garate\, para acercarlo a Aragón. Como explica Jorge Huerta encargado de la adaptación de la obra “Este texto nos mueve\, nos emociona y nos interpela directamente y siguiendo ese impulso decidimos que nuestra protagonista\, Mika\, sea una payasa aragonesa que encarne valores como la nobleza y la rasmia” \nDirigida por Amparo Nogués (coach del popular programa de Aragón TV\, Jotalent) y protagonizada por un elenco capitaneado por el reconocido cómico Jaime Ocaña\, que pone música en directo y humor mientras interactúa con el público y guía la trama que llevan a cabo Jorge Huerta y Lorena Soler. \nMika una payasa aragonesa\, revolucionaria y ferozmente alegre y su maestro Mundo\, un nostálgico payaso\, despiertan con el sueño de hacer juntos la guerra contra los tristes. \nLa joven aprendiz está entusiasmada con la idea de formar un ejército de alegres que consiga ganar a la tristeza\, pero Mundo hace tiempo que perdió la ilusión y ya no puede mantener tanta máscara. \nComo único testigo del encuentro\, El Corifeo\, vestido de bedel\, que guía la trama y conduce a los personajes poniendo música y humor mientras limpia un onírico campo de batalla. \nUna obra emocionante y divertida\, que al grito de Amor\, hostia\, Amor\, busca la esperanza\, el pálpito y la ilusión. La guerra contra la guerra. \nREPARTO \nJaime Ocaña \nLorena Soler \nJorge Huerta \nEQUIPO ARTÍSTICO \nEscenografíaRaúl Castillero \nVestuario.  Raquel Poblador (Obsidiana Atelier) \nIluminación.  Saúl Blasco \nMúsica en directo.  Jaime Ocaña \nTécnico.   Ricardo Juan Amador \nFotografía.  Más Mastral \nAyudantes de dirección.   Yolanda Catón / Sara Bilotto Pons \nProducción ejecutiva y distribución.  SALVACHE CULTURAL \nDIRECCIÓN \nAmparo Nogués \nFUNCIONES \nJueves\, 4 de mayo\, a las 20.00 h. \nViernes\, 5 de mayo\, a las 20.00 h. \nSábado\, 6 de mayo\, a 20.00 h. \nDomingo\, 7 de mayo\, a 19.00 h. \nDuración: 75 minutos\nPúblico: Todos públicos. A partir de 12 años \nPrecio único: 20 € \nEntradas a la venta en: https://compraentradas.ibercaja.es/teatrodelmercado/public/janto/main.php?%20Nivel=Evento&idEvento=04052100 \nCódigo de descuento para todas las funciones: TMZ1983 \n  \n 
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SUMMARY:MUNDOPOLSKI. La Guerra contra los Tristes
DESCRIPTION:MUNDOPOLSKI. La guerra contra los tristes \nEspectáculo de teatro de creación\, a partir de un guión original de Jon Gerediaga y Unai Gárate (La Fábrica de Teatro Imaginario)\, en adaptación de Jorge Huerta \nMika una payasa aragonesa\, revolucionaria y ferozmente alegre y su maestro Mundo\, un nostálgico payaso\, despiertan con el sueño de hacer juntos la guerra contra los tristes.\nLa joven aprendiz está entusiasmada con la idea de formar un ejército de alegres que consiga ganar a la tristeza\, pero Mundo hace tiempo que perdió la ilusión y ya no puede mantener tanta máscara.\nComo único testigo del encuentro\, El Corifeo\, vestido de bedel\, que guía la trama y conduce a los personajes poniendo música y humor mientras limpia un onírico campo de batalla.\nUna obra emocionante y divertida\, que al grito de Amor\, hostia\, Amor\, busca la esperanza\, el pálpito y la ilusión. La guerra contra la guerra. \nEl texto de los dramaturgos Jon Gerediaga y Unai Garate de la Fábrica de Teatro Imaginario\, nos llega de manos de Ander Lipus y su montaje en la Escuela de Teatro de Navarra. Este texto nos mueve\, nos emociona y nos interpela directamente y siguiendo ese impulso\, decidimos llevarlo a cabo y adaptarlo a nuestra tierra: Aragón.La obra habla de temas universales como el amor y la alegría\, los sueños y nuestras propias máscaras. Busca seguir luchando por ser felices\, aunque a veces cueste.La adaptación de SALVACHE CULTURAL traslada los rasgos propios de la obra hacia la identidad aragonesa. Mika\, es de Aragón y encarna valores como la nobleza y la rasmia. Canciones\, dichos\, música popular\, inspiración baturra en el vestuario…\, envuelven a nuestra protagonista para traerla hasta nuestra tierra\, Aragón.Otra de las claves de nuestra adaptación es la música en directo y el humor\, de la mano de Jaime Ocaña que interactúa con el público mientras conduce la trama y a los personajes.El amor y la alegría. La guerra contra la guerra. Un canto a la esperanza\, cueste lo que cueste. Porque\, a pesar de todo\, nos merecemos la risa. \nREPARTO\nJaime Ocaña\nLorena Soler\nJorge Huerta \nDIRECCIÓN\nAmparo Nogués \nFUNCIONES:\nJueves\, 4 de mayo\, a las 20.00 h.\nViernes\, 5 de mayo\, a las 20.00 h.\nSábado\, 6 de mayo\, a 20.00 h.\nDomingo\, 7 de mayo\, a 19.00 h. \nDuración: 75 minutosPúblico: Todos públicos. A partir de 12 años\nPrecio único: 20 €
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SUMMARY:El Crédito
DESCRIPTION:El Crédito es la última obra dramática escrita por el autor de referencia del teatro actual\, Jordi Galcerán\, sin duda todo un maestro del humor negro\, con obras publicadas y en cartel como Burundanga\, El Método Grönholm o Fuga.\nTodo comienza con un hombre de mediana edad que intenta\, de manera honesta\, conseguir que una sucursal bancaria le conceda un pequeño crédito absolutamente necesario para continuar con su vida. No cuenta con avales ni propiedades\, tan solo cuenta con su «palabra de honor» para que el banco se asegure su devolución. La negativa del director de la sucursal\, les coloca a los dos ante una situación muy delicada e hilarante.\nEl Crédito es una comedia que habla del egoísmo en un marco donde el dinero es el objeto del deseo y a la vez el arma arrojadiza. Es una función que nos hace reflexionar\, desde el humor\, sobre las penurias del ser humano y cómo a partir de una necesidad básica de salvar el propio pellejo\, podemos llegar a ser capaces de hacer peligrar la vida del que tenemos enfrente. \nSi nos dedicamos a lubricar engranajes o a traducir manuales de instrucciones\, quizás no nos crucemos nunca con\nJordi Galcerán\nlas personas a las que nuestro trabajo afecta íntimamente. Ahora bien\, si nos relacionamos directamente con individuos de carne y hueso\, hay trances difíciles de evitar.Para los médicos\, los tenderos\, los policías municipales o cualquier otra profesión en la que el contacto es inevitable\, los problemas pueden aparecer en cualquier momento. Y si eres director de una sucursal bancaria\, todavía peor. Si eres director de una sucursal\, hoy en día\, las cosas pueden llegar a complicarse de manera alarmante.Y es que\, hasta ahora\, en nuestro civilizado mundo\, cuando alguien necesitaba dinero iba al banco y pedía un crédito. La mayor parte de las ocasiones se le concedía\, pero si no era así\, los clientes callaban y volvían para su casa\, cabizbajos\, conformados\, pensando que las cosas iban muy mal\, que el crédito no fluía y te dejaban en paz.Hoy\, ya no se puede uno confiar. Hoy\, quizás\, cuando se les niegue un crédito\, ya no se irán para casa con el rabo entre las piernas. Hoy\, quizás\, se plantarán delante del director y mirándole a los ojos\, podrán las cartas sobre la mesa y le dirán que son ellos lo que tienen la sartén por el mango\, que si no se le da el dinero\, tomarán medidas\, medidas de gran contundencia. Amenazas que si son ciertas\, pueden convertir la vida de un director de una sucursal bancaria en un auténtico quebradero de cabeza. \nREPARTO\nPablo Carbonell\nArmando del Río \nEQUIPO ARTÍSTICO\nEscenografía.  Anselmo Gervolés\nIluminación.  Paco Ruiz Ariza\nFotografía y cartel.  José Miguel Stellutti\nDiseño gráfico.  Mayte Moreno\nProducción ejecutiva.  Isabel Rufino\nDistribución.  Isabel Rufino / Óscar Molpeceres\nAyudante de dirección.  Lucía Arestegui \nDIRECCIÓN\nRaquel Pérez \nEl Crédito \ncomedia original de Jordi Galcerán \nFUNCIONES:\nJueves\, 27 de abril\, a las 20.00 h.\nViernes\, 28 de abril\, a las 20.00 h.\nSábado\, 29 de abril\, a las 20.00 h.\nDomingo\, 30 de abril\, a las 19.00 h.\nDuración: 80 minutosPúblico: para mayores de 14 años.\nPrecio único: 20 €\nBonificación: espectáculo bonificado para las función del jueves\, 27 de abril \n 
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SUMMARY:La Pizarra perdida de Einstein
DESCRIPTION:TÍTERES DE LA TÍA ELENA \nLa Pizarra perdida de Einstein\, \nespectáculo de títeres de creación en siete escenas a partir de una dramaturgia de Adolfo Ayuso \nCon motivo del centenario de la visita de Albert Einstein a Zaragoza\, la Universidad de Zaragoza\,  a través de la coordinadora de la Unidad de Cultura Científica del Vicerrectorado de Política Científica\, se ha encargado a TÍTERES DE LA TÍA ELENA una producción que permita recoger algunos de los aspectos de la vida de Einstein y de su visita a nuestra ciudad. \nA través de siete escenas La Pizarra perdida de Einstein\, se desarrolla dramatúrgicamente la historia del sabio alemán\, en la que el espectador es conducido a través de la historia que cuentan un grupo de alumnos/as de un colegio al realizar una visita al Museo Einstein\, una especie de túnel del tiempo\, que de la mano de su profesora\, les va a permitir conocer buena parte de la vida y obra del físico alemán. En la puesta en escena se refleja un encuentro con Isaac Newton y Santiago Ramón y Cajal\, por el que Einstein profesaba una destacada admiración. La historia refleja los actos de bienvenida\, ya en la estación de ferrocarril de Zaragoza\, así como las conferencias que impartió en el Aula Magna de la Universidad de Zaragoza\, así como su marcha a EE.UU. ante la amenaza de la Alemania nazi. \nREPARTO\nHelena Millán (actriz manipuladora)\nMarta Cortel (actriz manipuladora) \nEQUIPO ARTÍSTICO\nEscenografía y e iluminación.   Ignacio Fortún\nDiseño y construcción de títeres.   Helena Millán\nDiseño gráfico.   Fernando Lasheras\nFotografía.   Jesús Atienza\nIluminación y sonido.   MILLÁN Pro \nDIRECCIÓN\nDavid Moreau \nFUNCIONES:\nViernes\, 21 de abril\, a las 20.00 h.\nSábado\, 22 de abril\, a las 20.00 h.\nDomingo\, 23 de abril\, a las 19.00 h.\nDuración: 60 minutos \nPúblico: todos públicos. A partir de 6 años\nPrecio único: 10 € \n 
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SUMMARY:La Casa por el Tejado (Los Hilos de la Memoria)
DESCRIPTION:Una joven sube al desván de su casa del pueblo. Está lleno de cosas viejas y tiene que hacer limpieza. En ese momento se le aparece el fantasma de su abuela; pero no es una historia de miedo\, es una historia sobre la memoria. La memoria de los objetos abandonados que\, como un hilo invisible\, conectan a los que vivieron con los que viven. El espectáculo habla de las historias que se esconden tras las sonrisas de las fotografías abandonadas en un cajón. \nLa Casa por el Tejado (Los Hilos de la Memoria) es un espectáculo sobre historias de un tiempo que pasó\, sobre sentimientos que perduran\, sobre las casas de los pueblos y\, como sus paredes\, conectan generaciones a través de las huellas que en ellas fueron dejando los que vivieron. La Casa por el Tejado es un espectáculo de arqueología emocional. \nAbuela y nieta hablan y cuentan\, ríen y lloran de sus épocas\, de sus avances\, de lo que les une y les separa. Un espectáculo sobre el pasado visto desde el presente\, sobre la memoria de la mujer rural. Sobre la conexión entre mujeres y tiempos. \nREPARTO\nBlanca Sánchez \nLaura de la Fuente \n  \nFUNCIONES:\nJueves\, 13 de abril\, a las 20.00 h. \nViernes\, 14 de abril\, a las 20.00 h. \nSábado\, 15 de abril\, a las 20.00 h. \nDomingo\, 16 de abril\, a las 19.00 h. \nDuración: 60 minutos\nPúblico: Familiar. A partir de 4 años \nPrecio único: 12 €
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SUMMARY:Y no quedó ninguno
DESCRIPTION:Y no quedó ninguno \nde Agatha Christie \nLa obra más emblemática de Agatha Christie cambia de nombre. Escrita en 1939 con el título Diez Negritos\, ahora llevará por título Y no quedó ninguno. El bisnieto de la autora\, quien gestiona su legado\, ha revisado la edición del texto; las modificaciones de la nueva edición no se quedan en el título. «La Isla del Negro»\, la localización de la versión original pasa a llamarse la Isla del Soldado\, y en la canción en la que está inspirado el título de la novela\, en lugar de Diez Negritos ahora hay Diez Soldaditos. Aunque pueda parecer todo nuevo\, en realidad la novela se publicó desde el principio como Y no quedó ninguno\, y tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido se publica con este título desde 1985.\nMás allá de las modificaciones del título\, la historia sigue intacta y mantiene toda su esencia. Es todo un clásico de teatro contemporáneo que sigue pasando de generación en generación y que ha sido leído por más de cien millones de lectores y es uno de los libros más vendidos de la historia.\nY no quedó ninguno es una obra por la que no pasa el tiempo. Entretenida\, ágil y llena de misterio. La propia autora reconoció que fue su mejor obra y la única pieza teatral que escribió. Su estreno tuvo lugar en 1943 y desde entonces\, sus diez personajes de la trama se siguen representando en todo el mundo.\nDiez personas\, desconocidas entre sí\, han sido invitadas a pasar un fin de semana en una isla de la costa de Devon en el sur de Inglaterra por un misterioso anfitrión que no se presenta a la cita. Durante la cena\, una voz les acusa a cada uno de ellos de esconder un secreto inconfesable. La sorpresa inicial de los invitados recién llegados\, deja paso a la inquietud\, cuando todos ellos\, son acusados de crímenes ocultos en sus biografías. La inquietud se irá transformando en terror cuando los invitados vayan muriendo violentamente uno tras otro.\nLas preguntas se suceden sin respuesta: ¿Quién les ha traído allí? ¿Con qué objetivo? ¿Cómo escapar de esa situación? \nLa Universidad Popular de Zaragoza\, creada en 1982\, lleva más de 40 años formando a personas adultas en un amplio abanico de áreas docentes incluidas las Artes Escénicas. \nDiez negritos se fueron a cenar;uno se asfixió y quedaron nueve.Nueve negritos estuvieron despiertos hasta muy tarde:uno se quedó dormido y entonces quedaron ocho.Ocho negritos viajaron a Devon;uno dijo que se quedaría allí y quedaron siete.Siete negritos cortaron leña;uno se cortó en dos y quedaron seis.Seis negritos jugaron con una colmena;una abeja picó a uno de ellos y quedaron cinco.Cinco negritos estudiaron derecho; uno se hizo magistrado y quedaron cuatro.Cuatro negritos fueron al mar;un arenque rojo se tragó a uno y quedaron tres.Tres negritos pasearon por el zoo;un gran oso atacó a uno y quedaron dos.Dos negritos se sentaron al sol;uno de ellos se tostó y solo quedó uno.Un negrito quedó solo;se ahorcó y no quedó… ¡ninguno! \nLa embarcación rodeó la isla\, y por fin apareció la casa. El lado sur de la isla del Soldado era diferente del resto; descendía en una suave pendiente hacia el mar. La mansión era baja y cuadrangular\, estilo moderno. Una mansión espléndida que respondía a los sueños de cualquiera. \nREPARTO\nJosé Antonio Vidal\nMaría Aurelia Sentre\nCarlos Valle\nYovana Navarro\nMª Ángeles Mur\nAna Mayans\nAngelines Fajardo\nVicente Morant\nPetri Vadillo\nMarisol Garrido\nEva Barcelona\nBeatriz García\nJavier Miravete (voz en off)\nJavier Vázquez (voz en off) \nEQUIPO ARTÍSTICO\nEscenografía\, atrezzo y vestuario.   TRIFULCA TEATRO\nIluminación.  Tachún / Ester Gascón\nMúsica original.   Luzmila Mercerón (composición e interpretación)\nFotografía.   Julio Ribera Larroy / Luis Rosel\nDiseño gráfico.   Sergio Beltrán \nDIRECCIÓN y PUESTA EN ESCENA\nAsunción Trallero \nFUNCIÓN:\nMartes\, 11 de abril\, a las 19.00h. \nDuración: 105 minutosPúblico: Todos públicos. Recomendada a partir de 12 años \n 
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SUMMARY:El «Ilustre Teatro» de Molière
DESCRIPTION:El Ilustre Teatro de Molière\, \nEspectáculo de creación a partir de una selección de textos de Molière\, en versión\, adaptación y dramaturgia de Francisco Ortega\, con el asesoramiento dramatúrgico de Françoise Maimone. \nPara la creación del espectáculo El «Ilustre Teatro» de Molière\, se ha realizado una lectura completa de todos los texto de Molière\, a partir de la edición de Julio Gómez de la Serna\, publicada por la Editorial Aguilar en 1957. Nuestro deseo ha sido crear una dramaturgia que ofreciera una panorámica compensada de los diferentes estilos que Molière utiliza en todas sus obras. Las que escribió en su primera etapa\, en donde tal vez lo más destacable puede ser el aprovechamiento de las técnicas que el autor poseía como actor itinerante\, entusiasmado con el teatro que había conocido desde niño\, y en el que la creación de los personajes era menos importante que la acción en sí misma. Es preciso entender que su compañía\, hasta ese momento\, recorría plazas\, mercados y lugares no acondicionados estrictamente para las representaciones teatrales y actuaba ante un público sin demasiada cultura teatral\, al que había que retener con juegos\, subterfugios y sorpresas que garantizasen su atención. No se trata\, sin embargo\, de un teatro meno\, sino de raíz más popular\, sustentado en figuras concretas -el avaro\, la criada\, el médico\, la enamorada infeliz\, etc.-\, con las que los espectadores se sentían familiarizados.\nEn el segundo periodo\, que comienza cuando los actores de la compañía crean en París en 1643\, El Ilustre Teatro\, un nombre bastante pomposo para referirse a unos desconocidos que tenían que competir en la gran ciudad con otras compañías más asentadas; es donde nuestro autor firma sus obras con el nombre de Molière y decide dedicarse en exclusiva a la actividad escénica. También en la que sufrirá sus mayores sinsabores como lo fue pasar un tiempo en la cárcel acuciado por las deudas y los deudores. \nTermina este periodo con el momento en que la compañía comienza a recibir la protección de la nobleza parisina y\, en especial\, del Rey Luis XIV\, quien tiene a Molière como a su dramaturgo de cabecera y a Jean Baptiste Lully\, como músico preferente. Es el momento en que se les facilita un espacio propio en el Palais Royal e incluso en el Palais de Versalles. Al abrigo de los muros reales\, con una asignación monetaria asegurada\, Molière podrá finalmente crear con pausa y posibilidades técnicas sus obras más inspiradas\, aquellas que verdaderamente él necesitaba escribir\, en las que expresa\, con claridad\, su visión del mundo y por las que sigue siendo recordado como la gran figura del teatro francés de todos los tiempos. Es decir\, se comportó de forma contraria a la lógica de su propia biografía. Cuando tenía la vida resuelta es cuando más la compromete\, escribiendo los textos que levantarían auténticas ampollas en la clasista sociedad de su tiempo.\nEl  Ilustre Teatro de Molière está compuesto por diversas escenas de Las Preciosas Ridículas (1659)\, La Crítica de la Escuela de las Mujeres (1663)\, El Casamiento a la Fuerza (1664)\, Tartufo o el Impostor (1667)\, y Las Mujeres Sabias (1672)\, precedidas por un prólogo e hilvanadas con textos introducidos de Paco Ortega. \nLa palabra y el cuerpo; los dos pilares sobre los que se fundamenta la puesta en escena de El «Ilustre Teatro» de Molière. La palabra proviene de uno de los más grandes creadores de versos de todos los tiempos. Nuestro trabajo ha consistido en que no perdiera un ápice de frescura y de actualidad con el paso de los siglos. Es decir\, hemos intentado rescatar toda la capacidad de mirar y describir el mundo y los comportamientos humanos con esa inteligente ironía\, no exenta de un punto de amargura que poseen los texto de Molière. Un maestro versificando\, adjetivando\, describiendo con pocas palabras\, pero muy bien elegidas\, las costumbres de su tiempo que\, en buena medida\, son también los del nuestro.El cuerpo. Hemos realizado un profundo trabajo de construcción física de los ricos personajes que habitan estos textos. Para lo cual nos han servido de mucho las lecciones de grandes maestros de la Commedia dell’Arte\, que han impartido\, a lo largo de estos años sus enseñanzas como el actor polaco Pawel Rouba\, o los italianos Carlo Bosso o Luigi Ottoni. Nuestra ciudad\, ha tenido la suerte de acoger a estos sabios en la destreza de convertir el cuerpo en un instrumento útil y expresivo\, recogiendo la experiencia que ellos atesoraban como maestros de esta disciplina teatral.Finalmente\, el estudio de la palabra y la expresión de los cuerpos\, los hemos encriptado en un espacio escénico sencillo y hermoso\, compuesto fundamentalmente por elementos de atrezzo y piezas de anticuario\, habiendo logrado un hábitat adecuado para que ambos elementos potencien su fuerza dramática. \nREPARTO\nIván de Miguel\nBelen Mirabal\nRoberto Millán\nIsabel Rodríguez \nEQUIPO ARTÍSTICO\nEspacio escénico.   TEATRO DEL ESPEJO\nIluminación.   José Antonio Royme\nVestuario.   Rosario Romero\nCoreografía.   Isabel Rodríguez Romero\nBanda sonora.   Paco Aguarod (CODA ESTUDIOS)\nMaquillaje.   Maria Jesús Andany\nFotografía.  Mas Mastral / Carlos Lorente\nAyudante de dirección.   Beatriz Serrano \nDIRECCIÓN\nPaco Ortega \nFUNCIONES:\nJueves\, 30 de marzo\, a las 20.00 h.\nViernes\, 31 de marzo\, a las 20.00 h.\nSábado\, 1 de abril\, a las 20.00 h.\nDomingo\, 2 de abril\, a las 19.00 h.\nDuración: 90 minutosPúblico: todos públicos. A partir de 12 años\nPrecio único: 20 €\nBonificaciones: Espectáculo bonificado en las funciones de los días 30 y 31 de marzo\, 1 y 2 de abril
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SUMMARY:VIº FESTIVAL RETINA
DESCRIPTION:El FESTIVAL RETINA\, Festival de Cine y Música en directo de Zaragoza\, alcanza en este 2023 su VIª Edición y prosigue en su voluntad de explorar las posibilidades creativas de hibridar música en directo y cine. En su sección principal\, la de Conciertos con Proyección\, el programa invita a distintos músicos a enfrentarse a una película\, desarrollando una nueva banda sonora para ella\, e interpretarla en directo\, mientras ésta se proyecta en la pantalla. Con ello se pretende reivindicar así\, el poder de la imagen y del sonido\, y de su siempre fértil matrimonio. Sacar a los músicos de sus procesos creativos habituales\, empujándoles a componer sobre las imágenes\, estética y narrativa de la película seleccionada\, en lugar de sobre un lienzo en blanco. Por el camino\, y gracias al poder de la sinestesia\, se ofrecen al espectador una experiencia singular y exclusiva: la película nunca volverá a ser la misma para ellos. \nHorarios de conciertos/proyecciones:\nJueves\, 23 de marzo\, a las 20.00 h. (74 min.)\nZABALA (John Aguirrezabalaga) sintetizadores / electrónica.Interpreta en directo su música sobre la proyección de la película My Mexican Bretzel\, España. (2019)\, de Nuria Giménez Lorang.Título original: MY MEXICAN BRETZELGénero: Documental. Drama / cine experimentalGuión: Nuria Giménez LorangIntérpretes: intervenciones de Ilse G. Ringier\, Frank A. LorangZABALA. Tras una larga trayectoria en las filas de los extintos We Are Standard\, el compositor y productor bilbaino Jon Aguirrezabalaga adoptó el nombre de ZABALA para producir su obra más personal. En ella se zambulle en géneros electrónicos como el ambient\, el IDM o el drone con un enfoque experimental y abierto\, que también comparte su trabajo para las artes escénicas y el cine. En su nueva posición de alquimista de la electrónica más orgánica\, el artista vasco es capaz de jugar con los límites de lo onírico y lo real abriéndose camino hacia territorios de una belleza inusual y extraña que comulgan perfectamente con el found footage que Nuria Giménez convirtió en esa maravilla qu es My Mexical Bretzel.\nDiario íntimo de una mujer de clase acomodada\, Vivian Barrett\, ilustrado por las filmaciones caseras de su marido León\, un rico industrial\, entre los años 40 y 60 del siglo pasado. La película es también un melodrama clásico a lo Douglas Sirk o Tood Haynes\, con los sentimientos a flor de piel. Un viaje en volandas a través de la vieja Europa. Un ensueño romántico. Por su calidad\, My Mexical Bretzel\, recibió el Premio Gaudí al Mejor Documental\, Guión y Montaje (2020). Mejor Película\, Dirección y Guión\, en el Festival de Gijón (2019). Fue Premio Especial en los Premios Feroz (2020)\, y en el Roterdam International Film Festival\, ganó un premio especial al Mejor Documental en 2020. \nViernes\, 24 de marzo\, a las 20.00 h. (90 min.)\nMATERIA (Fernando Junquera). Guitarra / (Juanvi Fortea). Sintetizadores\, electrónica.Interpretan en directo su música sobre la proyección de la película Cabeza Borradora\, EE.UU. (1977)\, de David Lynch.Título original: ERASERHEADGénero: Fantástico / drama / cine independiente y de culto. ExperimentalGuión: David LynchIntérpretes: Jack Nance\, Charlotte Stewart\, Allen Joseph\, Jeannine Bates\, Judith RobertsLa música de MATERIA\, dúo formado por el aragonés Fernando Junquera y el valenciano Juanvi Fortea navega por aguas tranquilas\, pero\, a la vez\, inquietantes. Un diálogo entre guitarra y teclados que genera densas corrientes oníricas que emparentan con el imaginario de David Lynch en su ópera prima\, Cabeza Borradora. Una comunión perfecta de universos paralelos que se entremezclan con sutileza y elegancia y que encajan a la perfección con estos adjetivos: bella y perturbadora.\nHenry Spencer\, un joven depresivo y asustadizo\, sufre desde pequeño unas extrañas pesadillas de las que intenta liberarse a través de su imaginación. Un día\, su amiga Mary lo invita a cenar a casa; se entera entonces que ha sido padre de un bebé prematuro y no humano. Mary y el extraño bebé se instalan en casa de Henry\, donde un escenario iluminado tras el radiador\, muestra la presencia de una mujer. \nSábado\, 25 de marzo\, a las 20.00h. (122 min.)\nKOKOSHCA (Amaia Tirapu / Álex López / Iñaki López / Iñigo Andión).Interpretan en directo su música sobre la proyección de la película No es País para Viejos\, EE.UU. (2007)\, de Joel Coen / Ethan Coen.Título original: NO COUNTRY FOR OLD MENGénero: Thriller / drama / road movieGuión: Ethan Coen / Joel Coen\, basada en la novela de Corman McCarthyIntérpretes: Josh Brolin\, Tommy Lee Jones\, Javier Bardem\, Kelly McDonald\, Woody HarrelsonKOKOSHCA llevan tres lustros facturando pop ingenioso\, amable y peligroso. Su productiva factoría es un torrente de creatividad\, abonada a imaginativas melodías y a un eclecticismo que siempre sorprende. Ya consolidados\, aunque nunca acomodados en la oligarquía del pop-rock nacional inteligente\, los navarros se enfrentan a lo que se adivina un reto mayúsculo: dar otra vuelta de tuerca a un universo siempre en movimiento\, enfrentándolo con sus particulares melodías. No es País para Viejos\, una contundente historia fronteriza ingeniada por el implacable Cormac McCarthy y llevada al cine con absoluta maestría por los siempre geniales hermanos Coen. Aventura mayúscula de resultado imprevisible pero\, con absoluta seguridad\, estimulante.\nEn 1980\, en la frontera de Texas\, cerca de río Grande\, Llewelyn Moos\, un cazador de antílopes\, descubre a unos hombres acribillados a balazos\, un cargamento de heroína y dos millones de dólares en efectivo. La película obtuvo 4 Premios Óscar (Mejor Película\, Director\, Guión Adaptado y Mejor Actor Secundario)\, que recayó en la figura del español Javier Bardem; 2 Globos de Oro (Mejor Guión y Actor Secundario). De nuevo para Javier Bardem; 3 Premios BAFTA (Mejor Director\, Actor Secundario y Fotografía); Premios David di Donatello a la Mejor Película Extranjera; entre otros muchos. \nDomingo\, 26 de marzo\, a las 19.00 h. (106 min.)\nSANTI CAMPOS (Santi Campos). piano eléctrico\, sintetizador / (JJ Extremera). guitarra y sintetizador / (Raquel Bavi). piano eléctrico y sintetizador. Interpretan en directo su música sobre la proyección de la película Gattaca\, EE.UU.\, (1997)\, de Andrew Niccol.Título original: GATTACAGénero: ciencia ficción / intriga/ película de culto Guión: Andrew NiccolIntérpretes: Ethan Hawke\, Uma Thurman\, Jude Law\, Loren Dean\, Alan Arkin\, Gore VidalSANTI CAMPOS es un corredor de fondo\, un músico incansable\, prolífico y siempre bien acompañado; todo un superviviente. En sus múltiples encarnaciones\, Santi Campos\, se ha mostrado efectivo en la elaboración de un repertorio certero y equilibrado pero con esa necesidad de seguir dando pasos adelante\, desligándose del patrón rock tradicional para trastear con el pop y con el folk. Transparente\, muchas veces trabajando en la sombra\, casi en la clandestinidad\, Santi Campos se asemeja al personaje que interpreta Ethan Hawke en Gattaca\, buscando cumplir su sueño y poder coger ese cohete espacial para encontrar su lugar en otro mundo.\nAmbientada en una sociedad futura\, en la que la mayor parte de los niños son concebidos in vitro y con técnicas de selección genética\, Vincent\, uno de los últimos niños concebido de forma natural\, nace con una deficiencia cardiaca y no le auguran más de treinta años de vida. Se le considera un inválido\, y como tal\, está condenado a realizar los trabajos más desagradables. Su hermano Antón\, en cambio\, ha recibido una espléndida herencia genética que le garantiza múltiples oportunidades. Desde niño\, Vincent sueña con viajar al espacio\, pero sabe muy bien que nunca será seleccionado. Durante años ejerce toda clase de trabajos hasta que un día conoce a un hombre que le proporciona la clave para formar parte de la élite: suplantar a Jerome\, un deportista que se quedó paralítico por culpa de un accidente. De este modo\, Vincent ingresa en la corporación Gattaca\, una industria aeroespacial\, que lo selecciona para realizar una misión en Titán. Todo irá bien\, gracias a la ayuda de Jerome\, hasta que el director del proyecto es asesinado y la consiguiente investigación pone en peligro los planes de Vincent. La película obtuvo el Premio a la Mejor Película y Banda Sonora\, en el Festival Internacional de Sitges\, 1997. \nPúblico: Todos públicos.\nPrecio único: 12 €\nBonificación: localidades bonificadas para los conciertos/proyección de los días 23\, 24\, 25 y 26 de marzo \nEQUIPO ARTÍSTICO\nFotografía.  Raquel Povar \nDIRECCIÓN\nEduardo Pérez Bona \n 
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SUMMARY:Miércoles que parecen Jueves
DESCRIPTION:Cuando las fronteras entre la imaginación y la realidad saltan por el aire\, una mujer irrumpe en el teatro\, a punta de pistola\, para dar una charla de Juan José Millás. Acosada por la policía y el propio autor\, su alegato es la demostración de una tesis a vida o muerte: ella\, es él.\nQuien domina las palabras\, domina la realidad.\n¿Es real la realidad?\n¿Por qué sabemos tanto del aparato digestivo y tan poco del aparato imaginario?\n¿Acaso lo irreal tiene en nuestras vidas menos peso que lo real?\n¿Dónde termina la fantasía y comienza la realidad?  He ahí la cuestión. \nMiércoles que parecen Jueves\, con humor y luminosidad\, en torno a un personaje fascinante\, pone en escena a través de los grandes temas del universo millasiano: la realidad y sus extravíos\, el poder de la imaginación\, la extrañeza como fuente del saber o el cuestionamiento de la propia identidad.Un espectáculo en movimiento\, a pie de calle y de la vida\, que se nutre también de la mirada periodística del autor\, actualizando sus palabras\, cada vez que la actualidad se desmadre.El Teatro -templo de la palabra\, origen de todo\, en palabras del autor- es la naturaleza misma de esta historia trepidante.-¿Es usted lo bastante Millás?- me pregunta por ejemplo\, el Juez.-¿Fue Kafka lo bastante Kafka?- le preguntaría yo.-¿Es usted lo bastante juez? ¿Es una hormiga cualquiera lo bastante hormiga? ¿Es una mosca lo bastante mosca? ¿Acaso\, al mundo en general\, no le falta algo para ser el mundo? Tal es el motor del deseo: el de no ser bastante lo que somos. \nREPARTO\nClara Sanchís\nVoces en off\nDavid Lorente\nAntonio Sansano\nEva Redondo \nEQUIPO ARTÍSTICO\nEspacio escénico\, iluminación y vestuario.   Miércoles que parecen Jueves\nIluminación.  José Antonio Royo\nEspacio sonoro.   Ángel González\nVideoimangen / fotografía.   Isabel de Ocampo\nDiseño gráfico.   Andrea Krull / Cris Lozoya\nAyudante de dirección.  Eva Redondo\nDirección de producción.   Chusa Martín \nDIRECCIÓN\nMario Gas \nMiércoles que parecen Jueves\, \nuna comedia original de Juan José Millás \nFUNCIONES:\nJueves\, 16 de marzo\, a las 20.00h.\nViernes\, 17 de marzo\, a las 20.00 h.\nSábado\, 18 de marzo\, a las 20.00 h.\nDomingo\, 19 de marzo\, a las 19.00 h. \nDuración: 70 minutosPúblico: Todos públicos\nPrecio único: 20 €\nBonificación: espectáculo bonificado para las funciones de los días\, 16\, 17\, 18 y 19 de marzo \n 
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SUMMARY:Las palabras olvidadas
DESCRIPTION:Las palabras olvidadas es un viaje al encuentro de muchas mujeres que se valieron de la escritura para expresar sus dudas y sus inquietudes; para transformar sus buhardillas\, sus dormitorios y sus cocinas en universos imaginarios donde todo era posible. Mujeres cuyas palabras han sido muchas veces silenciadas\, ignoradas\, olvidadas. Las palabras olvidadas propone un itinerario que nos llevará a descubrir a algunas de esas autoras\, del lejano Oriente a al-Ándalus\, desde los orígenes de la escritura\, al ocaso de la Edad Media. Las palabras olvidadas es una propuesta escénica que pretende ayudar a recuperar y reivindicar el papel de las mujeres escritoras en la historia de la literatura\, muchas veces silenciadas\, desdeñadas\, ignoradas o injustamente olvidadas\, en un espectáculo que combina teatro\, proyecciones audiovisuales y música en directo de El Mantel de Noa\, a través de la mano musical de Pilar Gonzalvo y Miguel Ángel Fraile\, que arropan unos cuidados textos con melodías evocadoras de las diferentes épocas que se van atravesando. \nREPARTO\nMariano Lasheras \nVoces \nEulàlia Ramón\, Sara de Leonardis\, Begoña Izquierdo\, Shixing Li\, Karima Lahssini\, Zahra el Yazydy\, Ana Fuertes\, Laura Tajada\,  Yu Wenqing\, Ana Garcés\, Minerva Arbués\, Marta Cortel\, Cristina Yáñez y María José Moreno. \nMÚSICOS\nEL MANTEL DE NOA \nPilar Gonzalvo / Miguel Ángel Fraile \nFUNCIONES:\nViernes\, 10 de marzo\, a las 20.00 h. \nSábado\, 11 de marzo\, a las 20.00 h. \nDomingo\, 12 de marzo\, a las 19.00 h. \n  \nDuración: 75 minutos\nPúblico: Adultos\, a partir de 14 años \nPrecio único: 12 €
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SUMMARY:VI Festival Pies para qué los Quiero
DESCRIPTION:El TEATRO DEL MERCADO reúne\, del 3 al 6 de marzo\, la VI Edición del Festival Pies para qué los Quiero.\nPies para qué los Quiero\, un título que rinde homenaje a la pintora mexicana Frida Kahlo\, es un Festival de danza creada por mujeres. Lo conforman\, en esta ocasión\, cinco interesantes propuestas\, dos de ellas en estreno para el Festival\, con la Danza Contemporánea como protagonista en sus diferentes formas de expresión y lenguajes\, exclusivos de cada una de las creadoras e intérpretes de las piezas.\nEl Festival Pies para que los Quiero es una ventana abierta a las artes en movimiento y a la labor de las mujeres en su faceta de creadoras\, con propuestas\, en esta edición\, llegadas desde Ibiza\, Tarragona y Zaragoza.\nDesde Zaragoza\, Laura López presenta un estreno\, La Mujer Rota\, un relato colectivo a partir del último capítulo de la novela homónima de Simone de Beauvoir\, una emocionante historia de tres mujeres. La coreógrafa y creadora zaragozana Ana Cotoré\, en riguroso estreno\, presenta In Nomine Nashira\, un solo interpretado por Nashira Santanatalia\,  coreografía basada en el principio metodológico y filosófico de la Parsimonia o Navaja de Ockham. La coreógrafa ibicenca\, Ingrid Magrinyà presenta Insomnia\, que forma parte de Soirée\, un programa triple de danza contemporánea producido por LOS DÍAS DE PENÉLOPE\, un excelente dúo coreográfico de la propia Ingrid Magrinyà y la bailarina tarraconense\, Ariadna Llussá.\nEl Festival culmina con la coreografía de la también zaragozana Ana Continente\, presentando Claroscuro de Artemisia\, una fantasía escénica de la pintora barroca italiana\, Artemisia  Gentileschi\, con música en directo de Pilar Almalé.\nPies para qué los quiero si tengo alas pa’ volar es una de las frases que escribió Frida Kahlo en su diario personal. Este Festival\, además de ser un homenaje a esta pintora y a todas aquellas mujeres que\, en el día a día de sus vidas\, superan circunstancias adversas\, es también una invitación a la danza y a dejarse llevar por la imaginación.\nComunicación\, expresión\, emoción\, sentimiento\, energía\, imaginación\, humor\, reflexión\, fuerza\, empatía… Todos estos ingredientes\, forman parte del menú de esta VIª Edición. \nJueves\, 3 y Viernes\, 4 de marzo\nLAURA VAL\nES POR AQUÍ. Duración 11 ‘\nLa Mujer Rota toma inspiración y nombre de la novela homónima de Simone de Beauvoir\, (1968). La autora\, una adelantada a su época\, nos habla de la historia de tres mujeres\, dividiendo el libro en tres capítulos aislados dedicados a cada una. Estas tres historias hablan de momentos vitales diferentes\, simbolizan el pasado\, el presente y el futuro. La propuesta para el Festival\, es un solo que toma referencia especialmente a esa mujer del último capítulo; en él\, ella habla de sus circunstancias\, sus miedos\, sus proyecciones…\, como si de un diario se tratase. Son las historias de amores y desamores\, del transcurrir del tiempo\, de la adversidad y la felicidad\, experiencias vitales\, todas ellas\, que conformar el devenir realista y cotidiano de muchas mujeres. Por todo ello\, la pieza viene a representar un futuro desconocido y unas vivencias que parten de una historia heredada y giran en torno al concepto de constante evolución. En La Mujer Rota quiero transmitir las expectativas y el vértigo por lo nuevo\, de las rupturas y recomposiciones en forma de ciclos vitales\, y sí\, también del amor\, siempre inherente al ser humano.\nLA MUJER ROTA\nIntérpretes     Laura López MuñozOjo externo     Beatriz de Paz\nVestuario    Laura López MuñozMúsica     Pilar Almalé\nCoreografía    Laura López Muñoz\nLaura López Muñoz\nZaragoza\, 1994. Desde pequeña se aproxima a la expresión corporal y la danza\, formándose en danza clásica y contemporánea en el Conservatorio Municipal Profersional de Danza de Zaragoza. Como intérprete ha formado parte en 2012 y a lo largo de cinco temporadas\, de LaMov Compañía de Danza y con la que sigue colaborando. Más tarde se unió a la Compañía de Danza de la ciudad alemana de Halberstadt. De regreso a España\, entra formar parte de la Compañía de Danza vasca Dantzat\, que enlazó con el proyecto Valencia Dancing Forwald\, y de que se lazó al mundo freelance. Desde entonces ha desarrollado su carrera como intérprete formando parte de diferentes proyectos y trabajando con diferentes creadores y coreógrafos como Miguel Toro\, Clara Barberá\, Gustavo Ramírez Sansano\, Alejandro Álvarez\, Blanca Li\, Dana Raz\, Yoshua Cienfuegos o Dana Sapir\, entre otros; a la vez que trabaja en sus propias creaciones.En la actualidad\, afincada en Madrid\, compagina su formación en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila manteniendo contacto con múltiples coreógrafos de recorrido internacional\, con el objetivo de seguir explorando en la técnica de la improvisación\, sus límites y posibilidades.\n—————– \nLAURA LÓPEZ MUÑOZ\nLA MUJER ROTA. Duración 15 ‘\nLa Mujer Rota toma inspiración y nombre de la novela homónima de Simone de Beauvoir\, (1968). La autora\, una adelantada a su época\, nos habla de la historia de tres mujeres\, dividiendo el libro en tres capítulos aislados dedicados a cada una. Estas tres historias hablan de momentos vitales diferentes\, simbolizan el pasado\, el presente y el futuro. La propuesta para el Festival\, es un solo que toma referencia especialmente a esa mujer del último capítulo; en él\, ella habla de sus circunstancias\, sus miedos\, sus proyecciones…\, como si de un diario se tratase. Son las historias de amores y desamores\, del transcurrir del tiempo\, de la adversidad y la felicidad\, experiencias vitales\, todas ellas\, que conformar el devenir realista y cotidiano de muchas mujeres. Por todo ello\, la pieza viene a representar un futuro desconocido y unas vivencias que parten de una historia heredada y giran en torno al concepto de constante evolución. En La Mujer Rota quiero transmitir las expectativas y el vértigo por lo nuevo\, de las rupturas y recomposiciones en forma de ciclos vitales\, y sí\, también del amor\, siempre inherente al ser humano.\nLA MUJER ROTA\nIntérpretes     Laura López MuñozOjo externo     Beatriz de Paz\nVestuario    Laura López MuñozMúsica     Pilar Almalé\nCoreografía    Laura López Muñoz\nLaura López Muñoz\nZaragoza\, 1994. Desde pequeña se aproxima a la expresión corporal y la danza\, formándose en danza clásica y contemporánea en el Conservatorio Municipal Profersional de Danza de Zaragoza. Como intérprete ha formado parte en 2012 y a lo largo de cinco temporadas\, de LaMov Compañía de Danza y con la que sigue colaborando. Más tarde se unió a la Compañía de Danza de la ciudad alemana de Halberstadt. De regreso a España\, entra formar parte de la Compañía de Danza vasca Dantzat\, que enlazó con el proyecto Valencia Dancing Forwald\, y de que se lazó al mundo freelance. Desde entonces ha desarrollado su carrera como intérprete formando parte de diferentes proyectos y trabajando con diferentes creadores y coreógrafos como Miguel Toro\, Clara Barberá\, Gustavo Ramírez Sansano\, Alejandro Álvarez\, Blanca Li\, Dana Raz\, Yoshua Cienfuegos o Dana Sapir\, entre otros; a la vez que trabaja en sus propias creaciones.En la actualidad\, afincada en Madrid\, compagina su formación en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila manteniendo contacto con múltiples coreógrafos de recorrido internacional\, con el objetivo de seguir explorando en la técnica de la improvisación\, sus límites y posibilidades.\n—————– \nANA COTORÉ\nIN NOMINE NASHIRA (Full of Grace). Duración 12 ‘\nMe podía haber basado en algún personaje femenino histórico\, mitológico\, etéreo\, viviente o eternamente durmiente. Sin embargo recordé el principio de la Parsimonia de Ockham; es decir\, a veces la solución más simple es la correcta\, y me fijé en la persona que tenía en frente: Nashira. Ella era la respuesta\, pero con la diferencia de que ella no es sencilla\, está llena de gracia y de desgracias como cualquiera\, y lo mejor de todo\, con la danza como telón de fondo. \nIN NOMINE NASHIRA (Full of Grace)\nCreación y dirección    Ana CotoréIntérprete     Nashira Santanatalia\nFotografía    Andrea Tolosa\nMúsica    Roberta Mameli / Barbara / MinervaCoreografía    Ana Cotoré\nAna Cotoré\nZaragoza. Bailarina\, intérprete y creadora. Formada de manera independiente tanto en el territorio nacional como en el extranjero\, en donde también ha impartido talleres y ha formado parte de proyectos artísticos de diversa índole. Paralelamente es Licenciada en Psicología y Graduada en Educación Social\, disciplinas que han influido enormemente en su trayectoria artística. Además de desarrollar sus propias creaciones\, forma parte de la Compañía Matarile Teatro y la Compagnia Movimento Danza de Gabriella Stazio. \nNashira Santanatalia\nZaragoza. Bailarina\, actriz y profesora de danza. Graduada en Danza Contemporánea por la London Contemporary Dance School. Es titulada en danza clásica por la Royal Academy of Dance y licenciada en pedagogía de la danza por la British Ballet Organization en 2021. En Londres\, donde residió 16 años\, ha estado trabajando como profesora de danza en la Chisenhale Dance Space y otras organizaciones que se dedican a promover la danza en las poblaciones más desfavorecidas. Como bailarina y actriz ha trabajado con diferentes artistas como el director Luke Dixon\, o la coreógrafa Justyna Sochaj.\n—————– \nLOS DÍAS DE PENÉLOPE\nINSOMNIA. Duración 18 ‘\nAlgunos maestros del barroco dijeron que el baile y la danza deberían ser un reflejo de los movimientos de los cuerpos celestes. En el escenario dos cuerpos se mueven\, se circundan\, se abrazan\, y rotan en el espacio. Las Variaciones Goldberg nos transportan a la vetusta vocación doble del Barroco como arte y ciencia\, o núcleo de quadrivium medieval\, en compañía de la astronomía\, la aritmética y la geometría\, de la mano de J.S. Bach. Dos bailarinas se abrazan en este universo\, en una espiral insomne\, a la notación musical\, a sus armonías y a sus tempos. Insomnia forma parte de Soirèe\, un programa triple de danza contemporánea que se puede presentar individualmente en calle y sala. Soirèe es el encuentro entre dos coreógrafos\, Ingrid Magrinyà y Jorge García Pérez. Tres universos. Tres coreografías. Tres bailarines. El encuentro entre razón y emoción de Electric Games\, el universo del Barroco de las Variaciones Goldberg en Insomnia\, y la defensa del grito por la libertad de expresión y el respeto al otro de Quisiera haber podido morir en tus brazos\, completan el conjunto del espectáculo.\nINSOMNIA\nIntérpretes     Ariadna Llussà / Ingrid MagrinyàMúsica     Variaciones Goldberg (versión de Kimiko Ishizaka) y Gonzalo AlonsoFotografía     Gustaff Cloos / Marta AnchenbecherCoreografía    Ingrid Magrinyà\nIngrid Magrinyà\nNace en Ibiza y estudia danza clásica en Zaragoza con María de Ávila. Titulada en danza clásica y técnicas de coreografía contemporánea (Conservatorio Profesional de Palma de Mallorca y Superior de Valencia)\, es con la profesora y coreógrafa Myriam Agar con quien se inicia en la danza contemporánea. Desde entonces ha trabajado como freelance en proyectos vinculados tanto con el mundo de la danza\, como con el del arte o el teatro. Becada por la Nouvelle École des Maîtres\, trabajó bajo la batuta del artista y creador Jan Fabré. Ha trabajado para la compañía alemana Die Audio Gruppe\, para la compañía catalana Gelabert-Azzopardi Companya de Dansa\, para las Compañías aragonesas Elia Lozano (Sybaa) y LaMov Ballet\, entre otras.Con Milki Lee (componente de Circle of Trust)\, se unió en el proyecto Dos en Paralaje\, creando su primera pieza\, Manos Pegajosas y Mani che si Trovano\, versión extendida y estrenada en 2018 en la ciudad italiana de Turín. Ha sido asistente de coreografía para Can Arslan\, actual director artístico del Nordharder Ballet\, creando piezas el Theater Augsburg Ballet\, Theater Magdeburg Ballet\, Delatte Dance Company\, o el Kiel Ballet\, entre otros. En 2018 crea su propia Compañía\, LOS DÍAS DE PENÉLOPE con la que estrena los espectáculos Penélope y La Comunión (2018) y Recién Pescao (2019).En los últimos años ha sido dirigida por Paco de la Zaranda y Eusebio Calonge\, fundadores de la Compañía teatral LA ZARANDA DE JEREZ\, con el espectáculo La Extinta Poética. Ahora\, convertida en nueva Compañía teatral -LA EXTINTA POÉTICA-\, bajo la dirección de Paco de la Zaranda y Eusebio Calonge\, presentando el nuevo espectáculo Convertiste mi luto en Danza.\nAriadna Llussà\nNace en Reus donde comienza a recibir clases de danza en la Escuela Artis de la misma localidad. Posteriormente se forma en Zaragoza recibiendo clases de danza clásica en el Estudio de Danza María de Ávila. Continúa su formación en Londres donde se gradúa en el Professional Dance & Performance de la Central School of Ballet\, entrando a formar parte de la Compañía titular. En 2013 forma parte del Ballet Juno de Ginebra\, bajo la dirección de Olivier Dubois en Laussane y Ginebra. Ha formado parte de la Metamorphosis International Dance en San Sebastián\, Shanghai y Lisboa\, con Iratxe Ansa e Igor Bacovich. Forma parte de la Compañía LOS DÍAS DE PENÉLOPE\, colaborando en diferentes coreografías\, así como con la Compañía Cienfuegosdanza. Continúa trabajando con proyectos de creación propia como el programa Surco de Godaidance.————————- \nCOMPAÑIA DANZA AYNI\nEL CRUCE. Duración 14 ‘\nEn casi cada instante de nuestra existencia\, nos cruzamos con desconocidos\, amantes\, oportunidades\, casualidades… Resulta imposible concebir todos los distintos caminos\, propios o ajenos\, en los que tímidamente hemos intervenido alguna vez. Y \, sin embargo\, a veces por sorpresa\, sucede: uno de esos cruces nos acompaña y se queda a nuestro lado\, al menos\, durante un tiempo.\nLa belleza que ocurre en lo más inesperado\, la trascendencia de lo que muchas veces se juzga intrascendente.\nLa Compañía de danza AYNI es una formación de danza emergente de mujeres creadoras. Han creado un movimiento propio\, partiendo de bakgrounds muy diferentes. Es por ello\, que la sinergia de ambas identidades escénicas les ha permitido llegar a un punto de inflexión más enriquecido. En 2020\, la Compañía crea su primera pieza\, Caléndula y es en 2022\, cuando se premia dicha coreografía en el Concurso 4Artes\, quedando en el primer puesto de la especialidad de Danza. \nEL CRUCE\nIntérpretes     Ana Gurría Guerrero / Antonella Tardini MusaEspacio sonoro    Antonella Tardini Musa\nTexto    Alexia Gómez Ferrer / Claire Armitstead\nCreación audiovisual    Sideral ExFotografía     Enzo MaielloCoreografía    Ana Gurría Guerrero / Antonella Tardini Musa \nAna Gurria\nInicia su formación en el Conservatorio Profesional de Danza de Zaragoza\, en la especialidad de Danza Clásica. Después\, se traslada a Valencia lugar en el que inicia la formación de Danza Contemporánea. En 2013 se gradúa en el Conservatorio Profesional de Danza de Valencia\, ampliando posteriormente su formación en la escuela Dance Art Faculty\, centro asociado a la Compañía Italiana Spellbound. En 2016 se traslada a Londres\, formando parte y colaborando en diferentes proyectos tanto a nivel artístico como comunitario. Participa como intérprete en Placebo Funeral en Southbank Centre. Asímismo\, coreografía e interpreta piezas como Violet\, estrenada en la galería de arte By Other Means\, o The Incomplete. Por otro lado\, imparte clases en Ballet4life\, tanto para adultos como a niños/as\, y participa en la organización Move Into Wellbeing dando clases de danza a personas con la enfermedad de Parkinson. A lo largo de este tiempo\, compagina su actividad profesional como bailarina con la formación universitaria en el Grado de Educación Social. En 2020\, regresa a Zaragoza iniciando un proyecto que da lugar a la creación de la Compañía de Danza Ayni. Participa en la creación de la pieza Caléndula\, y en 2022 le es otorgado el Primer Premio del Concurso 4Artes en la especialidad de Danza. \nAntonella Tardini Musa\nNace en Buenos Aires. Comienza su formación en danza clásica en su país natal y continúa una vez establecida en España su formación en las modalidades de Danza Clásica y Contemporánea en la escuela de danza Antonio Almenara. Más tarde\, centra su formación en el contemporáneo\, tomando clases regulares y workshops con diversos profesionales a nivel nacional. Su formación artística ha sido siempre muy versátil\, en estilos como Danza Oriental\, Danza Urbana\, Popping o bailes latinos. En 2015 se gradúa como trabajadora social\, carrera que le lleva a Cuba donde continúa formándose en la Escuela y Compañía Danza Contemporánea de Cuba\, en La Habana. En su trayectoria profesional\, desde 2019\, forma parte del elenco de QueeB Live Performance\, siendo también intérprete y coreógrafa en diversos espectáculos comerciales como Titanes Show\, musical Hits… Ha colaborado con la Compañía de Danza Oriental de Eva Sampedro y en la Compañía Soul Dance Team de Virginia Bernabeu. \n————————- \nVIOLETA GARCÍA\nBREAKTHROUGH ¿?. Duración 12 ‘\nLa era digital nos somete a una producción incesante\, a vivir rodeados de estímulos y al cambio constante\, donde nunca es suficiente y siempre queremos más. Se nos incita a alcanzar una perfección de apariencias\, belleza y tendencias. Persiguiendo el éxito zabullidos en el consumismo\, pero siendo conscientes de todas las transformaciones del planeta en el que vivimos.\nLa hipocresía\,\ny también\,\nla dicotomía\, entre seguir subidos al tren de nuestra sociedad actual y\, el de ser seres humanos íntegros. \nBREAKTHROUGH ¿?\nIntérprete     Martina CabreroMúsica     Jaime Sánchez / INJIMIDirección y coreografía    Violeta García \nVioleta García\nZaragoza\, 1994. En 2012 termina sus estudios de Danza Clásica en el Conservatorio Profesional de Danza de Zaragoza\, y completa su formación en diversas escuelas como el Estudio María de Ávila o el Centro Andaluz de Danza de Sevilla. Al mismo tiempo complementa su formación graduándose en Química por la Universidad de Zaragoza. A partir de ahí comienzan sus trabajos profesionales. En 2018-19 con el Laboratorio 180\, realizando representaciones por teatros de la Comunidad de Madrid y en el programa de Tv Fama a Bailar\, de Movistar+. En 2020 dirige\, coreografía e interpreta Pulse para el Festival Pies para qué los Quiero en el Teatro del Mercado de Zaragoza. En agosto de ese mismo año\, crea el solo Fishbowl para el programa Atónitos Huéspedes de Aragón Tv. Al año siguiente\, coreografía e interpreta\, en formato de videodanza\, No bi ha trigo sin porguesas\, proyectado en el Festival Social Tudanzas de Barcelona. Tras realizar una residencia artística en el Teatro de la Estación\, en septiembre de 2022 seleccionan su solo No bi ha trigo sin porguesas como una de las coreografías finalistas en el Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid. En ese mismo mes\, actúa como bailarina en la Mercedes Fashion Week de Madrid\, para la nueva colección Duyos. En noviembre de ese mismo año\, actúa en el Museo de Zaragoza en el Paseo Coreográfico dentro del VII Congreso Nacional y IV Internacional La Investigación de la Danza.\nMartina Cabrero\nValladolid\, 1999. En 2011 termina sus estudios de Danza Clásica en la Escuela Profesional de Danza de Castilla y León\, y completa su formación en diversas escuelas como el Centro Andaluz de Danza de Sevilla y La Faktoria Choreographic Center. En junio de 2018 participa como bailarina en la gala de entrega de los Premios Max de las Artes Escénicas. En octubre de 2020 actúa en XVI Encuentro de Danza Contemporánea Gerard Collins con el dúo On/Off\, coreografiado e interpretado por ella. En febrero de 2021 pasa a formar parte del elenco de Marcat Dance dentro de la producción Anhelo\, bailando en los Teatros del Canal\, Festival «Abril en Danza»\, Festival «Cádiz en Danza» y Festival «Palma Danza». En junio de ese mismo año en el IV Certamen de Danza de Valladolid; en diciembre\, con el dúo Nadie Mira se presenta en el Teatro Vilches. En mayo de 2022\, actúa como bailarina en la ópera La Traviata\, presenta su espectáculo dúo Golondrinas\, con coreografía de Violeta Borruel. Posteriormente actúa con la Compañía Esa Gente en el espectáculo Nueva Producción presentado en el Teatro Palacio de Congresos de León\, además de estar formando parte de un proceso de investigación en los Teatros del Canal de Madrid con Janet Novás.\n———————– \nSábado\, 5 y Domingo\, 6 de marzo\nANA CONTINENTE DANZA\nCLAROSCURO DE ARTEMISA. Duración 80 ‘\nClaroscuro de Artemisa es una fantasía escénica que fusiona danza\, teatro\, música en torno a la figura de Artemisa Gentileschi\, maestra pintora italiana del Barroco.\nNo hay nombre que no esté predestinado… Artemisa viene marcada por el nombre de una diosa griega que dota a esta gran mujer de fuerza\, poder y libertad. La vida de Artemisa Gentileschi\, como la de muchas mujeres\, es un lienzo barroco lleno de intensos claroscuros. Profundas oscuridades materializadas en una violación\, humillación social y torturas. También de deslumbrante luz en su pasión\, su sincero amor por el Arte y su talento infinito\, todo ello volcado en su obra pictórica. Artemisa Gentileschi pintó a sus personajes femeninos con la fuerza física y el coraje que la misoginia de la época trató de negar. Añadió una atmósfera dramática y algo más violenta a los temas que le encargaban.\nClaroscuro de Artemisa \, es danza\, teatro y música para revivir el espíritu de una gran mujer. Abrió nuevos caminos en la interpretación: heroínas\, mujeres que renacen tras el drama\, mujeres capaces de cambiar el mundo generado por los hombres. Ana Continente\, bailarina y coreógrafa\, junto a la violagambista Pilar Almalé\, narran a través de un lenguaje multidisciplinar la vida de esta peculiar artista\, que asombrosamente\, está llena de paralelismos con la actualidad. Dos artistas\, mujeres de diferentes generaciones y formación\, unen música barroca en directo y danza contemporánea para revivir el espíritu de esta gran artista italiana que\, silenciosamente\, cambió la historia de la pintura\, e impulsó la visibilidad de la mujer en nuestra complicada historia vital. Paleta de colores que trata infinidad de afectos\, el proceso creativo\, el dolor y el placer de crear y vivir para ello…\, con un final lleno de luz. \nCLAROSCURO DE ARTEMISA\nIntérpretes     Ana Continente y Pilar Almalé\nDramaturgia\, coreografía y espacio escénico     Ana ContinenteMúsica en directo\, arreglos y composición     Pilar AlmaléVoz en off     José Luis EstebanFotografía     Mas MastralIluminación    Roberto GregorioVestuario    Taimyr Falle y Maldita MaríaAtrezzo   Carlos Herrero y Producciones La GaiteraVideocreación     Yago de Mateo Ángel y Víctor RecuaProducción     Espacio Laboratorio LA MEJANADirección     Ana Continente\nAna Continente\nZaragoza. Coreógrafa\, bailarina\, actriz y docente de Danza Teatro y Danza Contemporánea. Artista multidisciplinar y autodidacta con una formación ecléctica\, enfocada a la Danza Teatro y la improvisación en la creación escénica. En 2005 crea su propia Compañía\, ANA CONTINENTE DANZA\, donde desarrolla la fusión entre la danza y el teatro con un pensamiento propio\, generando un discurso escénico único y personal. Con un recorrido internacional\, ha trabajado en compañías como Oriantheatre Dance Company (París\, Francia/Irán)\, bajo la dirección de Mehdi Farajpour; Soon Hoo Park Dance (Seoul. Korea); Christine Bonassea Company (Berlín\, Alemania); Conexao Samambaia (Goiaina\, Brasil)\, dirigida por Kleber Dámaso; Chergui Théâtre Compagnie\, dirigida por Jean Michel Hernández (Toulouse\, Francia). En España\, ha trabajado con múltiples compañías tanto de teatro\, danza o circo: Abc Danza\, El Silbo Vulnerado\, Teatro del Alba\, Luna de Arena\, B Vocal\, Viki Lafuente… Premio Espectáculo Revelación en los Premios Max de las Artes Escénicas 2011 por el espectáculo Habibi Amado\, de Producciones Viridiana\, con coreografía de Ana Continente. En 2021 ha recibido el Premio de las Artes Escénicas y Pedagogía de la Asociación de Empresas de Artes Escénicas\, ARES. En la actualidad\, Ana Continente continúa su trayectoria con su propia Compañía\, participando en festivales de danza como Trayectos\, Pies para qué los Quiero\, Festival Ples\, Danza Mínima…\nPilar Almalé\nArtista polifacética. Violagambista\, vocalista y compositora\, especializada en música antigua. Abre puertas a otros estilos como jazz o word music\, interpretando instrumentos como el Violone o el Esraj (instrumento tradicional indio). Amante del Renacimiento\, abarca otras artes como la danza\, el teatro\, la pintura\, siguiendo su ideal de el arte como lenguaje transversal. Ha recorrido importantes escenarios nacionales e internacionales\, formando parte de destacados festivales de música antigua y folk. En 2017 trabajó en la gira nacional del gaitero Carlos Núñez y compartió escenario con músicos como Jordi Savall o Dulce Pontes.De formación multidisciplinar\, su educación abarca desde la «clásica» de Conservatorio\, finalizando en 2019 el Grado Superior en el Conservatorio Profesional de Música de Vigo\, pasando por el Grado de Bellas Artes\, a la iniciación al teatro y la danza contemporánea\, o la interpretación del Esraj en la Escuela Oficial de Música de Benarés. Fue becada por la oficina de cooperación de la Universidad de Sevilla\, para la enseñanza de música violonchelo a niños en India (2013) y Bolivia (2014).Codirectora del dúo Caranzalem e intérprete y vocalista del grupo aragonés Biella Nuei. En 2020 forma su proyecto personal\, que fusiona la música antigua con el jazz\, acompañada por Thomas Krestzschman (violín)\, Alex Comin (guitarra) y Fran Gazol (percusión)\, tres conocidos músicos del panorama jazzistico aragonés. Con este proyecto publica en diciembre de 2021 su primer trabajo discográfico titulado Hixa Mía\, a través del sello catalán «Segell Microscopi». Este álbum presenta obras de música antigua revisionadas de un estilo jazzistico\, así como composiciones propias de Pilar Almalé. \nFUNCIONES:\nViernes\, 3 de marzo\, a las 20.00 h.\nSábado\, 4 de marzo\, a las 20.00 h.\nDomingo\, 5 de marzo\, a las 19.00 h.\nLunes\, 6 de marzo\, a las 19.00 h.\nDuración: 80 / 55 minutosPúblico: Todos públicos. A partir de 9 años\nPrecio único:  12 € \n 
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SUMMARY:Vivir y Morir en San Crispín
DESCRIPTION:Vivir y Morir en San Crispín es un espectáculo basado en tres coincidencias bélicas. La primera de ellas\, es el discurso del Día de San Crispín del texto Enrique V de W. Shakespeare\, y la gran batalla medieval de Agincourt (Día de San Crispín (1415)\, elevada a la categoría de mito por la tradición anglosajosa y por el texto del Bardo de Avon. Esta batalla supuso una inesperada victoria de la infantería arquera de las tropas inglesas\, frente a la potente caballería francesa\, en el transcurso de la Guerra de los Cien Años\, mitificada en la gran pantalla\, por la magnífica interpretación de la arenga militar a las tropas\, antes de la batalla\, de Kennet Branagh\, encarnando a Enrique V; la segunda coincidencia\, es la brutal aniquilación por parte de la artillería rusa de la última carga de la Caballería Ligera Británica en Crimea (Día de San Crispín (1854)\, dirigida por Lord Cardigan\, en el curso de la batalla de Balaclava y la tercera\, se centra en la actual guerra de Ucrania\, de nuevo con Rusia. Tres grandes momentos bélicos reproducidos en Vivir y Morir en San Crispín\, como un ejercicio holístico que combina teatro\, fotografía\, juego dramático\, imagen y una interacción constante con el público. \nREPARTO\nAlberto Aguilera\nRafael A. Corral \nEQUIPO ARTÍSTICO\nEspacio escénico\, vestuario\, atrezzo e iluminación.   Rafael A. Corral \nDIRECCIÓN\nAlbert Martí / Rafael A. Corral \nVivir y Morir en San Crispín \nuna comedia original de Ramón Paso \nFUNCIÓN:\nDomingo\, 19 de febrero\, a las 19.00 h. \nDuración: 75 minutos \nPúblico: Adulto\nPrecio único: 10 €
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SUMMARY:La Dama Boba
DESCRIPTION:Lope de Vega escribió La Dama Boba para la Compañía de Pedro de Valdés. Parece ser que pudo estrenarse entre el 30 de octubre de 1613 y el 14 de febrero de 1614. Si atendemos a la segunda «posible» fecha\, coincide con nuestra presentación pública en el TEATRO DEL MERCADO de Zaragoza. Un día\, el 14 de febrero\, muy oportuno para representar\, una vez más\, una pieza clave del canon de todas las épocas. Y es que el tema central de la obra es la idea neoplatónica sobre la capacidad del amor para abrir el entendimiento y para convertirse en lo que\, quizá\, no se es o\, tal vez sí\, y solo las consecuencias de amar y ser amado pueden hacer visible a los ojos de los demás. \nFinea\, el personaje que comienza la función siendo la boba\, terminará aprendiendo el delicado arte de «fingir ser boba». Y ahí está el alumnado de tercer curso de la ESCUELA MUNICIPAL DE TEATRO de Zaragoza con este «atrevimiento lopético»\, abordándo el Siglo de Oro en lo que es su primer taller integrado de este curso 2022/23. \nY\, a modo de reflexión\, para disfrutar de la representación\, trabajada\, como siempre con rigor\, estudio y pasión\, os invito a que nos quedemos con la deliciosa reflexión que hace el personaje de Finea\, al principio del acto III\, porque es la sustancia misma de nuestra comedia: \nREPARTO\nDominique Aravena / Mery Luz Moya \nNuria Pichardo / Andrea Baztán \nPaula Navarro / Lorena Torrijo \nMelissa León \nJavier Sáenz \nAlondra Valentín \nAyla Quintas \nJorge León \nJorge Radosavljevic \nValeria Monroy \nCamila Ninoska \nFUNCIONES:\nMartes\, 14 de febrero\, a las 20.00 h. \nMiércoles\, 15 de febrero\, a las 20.00 h. \nJueves\, 16 de febrero\, a las 20.00 h. \nDuración: 105 minutos\nPúblico: Todos públicos. \nPrecio único: 10 € \nBonificación: espectáculo bonificado para las funciones de los días 14\, 15 y 16 de febrero
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SUMMARY:X Espacio Reto
DESCRIPTION:ESCUELA DE CIRCO SOCIAL \nLa X Edición Espacio Reto\, es una gala-espectáculo con diferentes disciplinas circenses \nLa X Edición de Espacio Reto\, pone en escena\, una vez más\, un elenco de artistas locales con propuestas novedosas y arriesgadas. Se cumplen 10 años\, consolidándose el evento como un referente de creación escénica. El TEATRO DEL MERCADO\, se convierte en el escenario que da cabida a jóvenes artistas con propuestas novedosas y arriesgadas en proceso de creación o que se quieran poner a prueba con público. Espacio Reto es un espacio escénico de juego\, prueba\, error y acierto\, en el que se da cabida\, una vez más\, a diferentes disciplinas como teatro\, circo\, malabares\, música\, títeres\, danza\, equilibrio\, y otras. \nCon un formato de Gala-cabaret\, Espacio Reto\, ofrece propuestas artísticas con una duración máxima de 10 minutos\, que son conducidas por una presentadora y en las que podemos ver 6 números diferentes de formato corto y de reciente creación\, y cuya recaudación se destina a los proyectos pedagógicos y sociales que lleva a cabo la Escuela de Circo Social. \nEspacio Reto se presenta con el único propósito de impulsar la creación\, dando la oportunidad de mostrar trabajos de creación en un espacio escénico\, donde los artistas puedan tener un contacto directo con el público\, para poder seguir desarrollando la creación. Espacio Reto se desarrolla dos veces al año\, tratando de impulsar la creación artística local\, movilizando las artes escénicas en cada barrio de la ciudad\, y dando visibilidad a los diferentes procesos colectivos que se están llevando a cabo en la ciudad. Las propuestas\, son seleccionadas a través de convocatoria abierta\, y son números de corta duración y cuya recaudación es destinada a proyectos pedagógicos y sociales\, que lleva a cabo la Escuela de Circo Social. \nLa Escuela de Circo Social se entiende como una propuesta socioeducativa\, comunitaria y con una firme voluntad de transformación social a partir de la práctica cultural del circo\, como elemento transversal de participación\, formación y capacitación del territorio y de sus habitantes\, para crear una nueva cultura en la actividad formativa de niños\, jóvenes y sus familias. La Escuela de Circo Social se adapta a las necesidades de la población\, del barrio\, de la ciudad y del país. Siendo el arte circense un motor de desarrollo para la persona\, a través de actividades corporales\, de expresión y de creatividad\, utilizando el juego y la creación artística. \nARTISTAS PARTICIPANTES\nOX (sombreros)\nALICIA MACARRILLA (rueda cyr)\nBRIO (Diana / Paola) (batería\, guitarra y voz)\nCARMELA MAS (clown)\nROBIN (contorsión y verticales)\nPEACE OF MIND (Camina / Paula) (danza) \nEQUIPO ARTÍSTICO\nPresentación. Encarni Corrales\nFotografía. Mas Mastral \nCOORDINACIÓN\nAna Castrillo \nViernes\, 10 de febrero\, a las 20.00 h.\nSábado\, 11 de febrero\, a las 20.00 h.\nDomingo\, 12 de febrero\, a las 19.00 h.\nDuración: 90 minutosPúblico: Espectáculo familiar\nPrecio único: 12 €\nBonificación: espectáculo bonificado para las funciones de los días 10\, 11 y 12 de febrero. \n 
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SUMMARY:La ridícula idea de no volver a verte
DESCRIPTION:La ridícula idea de no volver a verte espectáculo de creación a partir de un relato de Rosa Montero\, en adaptación teatral de Alfonso Desentre \nEn la Ridícula idea de no volver a verte\, versión teatral del gran éxito literario de Rosa Montero\, TEATRO IMAGINARIO presenta a dos mujeres unidas por el duelo\, por la pérdida del ser amado. Una madura escritora de éxito nos habla de sus sentimientos y sus vivencias tras la muerte de su pareja\, evocando al tiempo\, el desamor diario de Madame Curie\, esa mujer excepcional\, que escribió tras perder abruptamente a su marido bajo las ruedas de un carruaje en París. \nDos mujeres cómplices en su sensibilidad\, en sus sentimientos íntimos\, en un juego de espejos intenso y emotivo\, al tiempo que burlón y reconfortante. Una función que remueve\, seduce\, y celebra por encima de todo\, más allá del adiós\, el amor a la vida en su plenitud y belleza. \nCuando Rosa Montero leyó el maravilloso diario de Marie Curie comenzó\, tras la muerte de su esposo\, y que se incluye al final del libro\, sintió que la historia de esa mujer fascinante que se enfrentó a su época le llenaba la cabeza de ideas y emociones. La ridícula idea de no volver a verte nació de ese incendio de palabras\, de ese vertiginoso torbellino.Al hilo de la extraordinaria trayectoria de Marie Curie\, Rosa Montero construye una narración a medio camino entre el recuerdo personal y la memoria de todos\, entre el análisis de nuestra época y la evocación íntima. Son páginas que hablan de la superación del dolor\, de las relaciones entre hombres y mujeres\, del esplendor del sexo\, de la buena muerte y de la bella vida\, de la ciencia y de la ignorancia\, de la fuerza salvadora de la literatura y de la sabiduría de quienes aprenden a disfrutar de la existencia con plenitud y con ligereza.Vivo\, libérrimo y original\, el libro de Rosa Montero\, resulta inclasificable\, con anécdotas que transmiten el primitivo placer de escuchar buenas historias. Un texto auténtico\, emocionante y cómplice que atrapa desde el comienzo. Un libro sobre la vida… apasionado y alegre\, sentimental y burlón. Rosa Montero \nREPARTO\nMaria José Moreno\nMaría José Pardo \nEQUIPO ARTÍSTICO\nEspacio escénico.  Alfonso Desentre\nVestuario.  Ana Sanagustín\nIluminación.  Antonio Garza\nEspacio sonoro.  Dan Barrow\nRealización audiovisual.  Fernando Medel\nDomumentación audiovisual.   Antonio Tausiet \nPUESTA EN ESCENA y DIRECCIÓN\nAlfonso Desentre \nFUNCIONES:\nJueves\, 2 de febrero\, a las 20.00 h.\nViernes\, 3 de febrero\, a las 20.00 h.\nSábado\, 4 de febrero\, a las 20.00 h.\nDomingo\, 5 de febrero\, a las 19.00 h. \nDuración: 70 minutosPúblico: Mayores de 16 años.\nPrecio único: 20 €\nBonificaciones: localidades bonificadas para las funciones de los día 2\, 3\, 4 y 5 de febrero
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SUMMARY:Hotel Flamingo
DESCRIPTION:Espectáculo de teatro gestual de creación\, a partir de un guión de Edu Méndez\, Gerard Domènech y Carles Bigorra \nEl antiguo Hotel Flamingo quiere reabrir sus puertas. El nuevo director y propietario siempre ha sido un visionario de los negocios. Por este motivo\, tiene la gran idea de abrir las puertas del hotel en plena pandemia. Está totalmente convencido del gran éxito del Hotel Flamingo.\nInspirados en la imagen de los personajes principales que la película Palace y la serie Tres Estrellas nos dejaron grabadas en la retina cuando éramos pequeños\, hemos creado este espectáculo que nos sitúa en la recepción de un hotel que hace años que vivió su mejor momento. \nREPARTO\nEdu Méndez\nGerard Domènech\nCarles Bigorra\nIván Cánovas (voz en off) \nEQUIPO ARTÍSTICO\nEscenografía.  Eudald Ferré\nVestuario.  Leo Quintana\nIluminación.  Antonio Santoyo\nMúsica.  Laura Gracia\nAtrezzo.  Joan Ribas\nFotografía y Diseño gráfico.  Agnès Olivé\nEspacio sonoro.  Sergi Sabater\nVídeo.  Arian Botey\nDistribución.  AGOMBOLA / Alba Espinasa \nDIRECCIÓN\nCLOWNIC \nFUNCIONES:\nViernes\, 27 de enero\, a las 20.00 h.\nSábado\, 28 de enero\, a 20.00 h.\nDomingo\, 29 de enero\, a 19.00 h.\nLunes\, 30 de enero\, a las 19.00 h.\nDuración: 75 minutosPúblico: Todos públicos.\nPrecio único: 20 € \n 
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SUMMARY:Un Stripper se Jubila
DESCRIPTION:A la hora de su jubilación Ignacio Abedul\, un mito del striptease creativo\, una leyenda del cine erótico de gran cilindrada\, un hombre de físico apocalíptico y luces intermitentes\, recurre a su coacher y amiga\, La Vargas\, reina del rastro y archiduquesa del Cambalache\, para repasar las extraordinarias circunstancias que le han llevado\, a lo largo de su vida\, a ser Premio Princesa de Asturias del desnudo inclusivo y el porno sostenible. \nA través de la entrevista en streaming que le hace la explosiva influencer\, Rosita\, la historia va desde el rabioso presente hasta los emblemáticos años 60 en los que fue concebido este fenómeno de la naturaleza que atesora unos atributos de dimensiones apocalípticas y gran angular. \nUna comedia incendiaria de humor al desnudo que repasa seis décadas de prodigios y música. \nFUNCIONES:\nJueves\, 19 de enero\, a las 20.00 h. \nViernes\, 20 de enero\, a las 20.00 h. \nSábado\, 21 de enero\, a las 20.00 h. \nDomingo\, 22 de enero\, a las 19.00 h. \n  \nDuración: 80 minutos\nPúblico: Adulto \nPrecio único: 20 € \nBonificaciones: Localidades bonificadas para las funciones de los días 19\, 20\, 21 y 22 de enero
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SUMMARY:Todo Incluido
DESCRIPTION:Todo Incluído\, comedia original a partir de una dramaturgia de Susana Martínez \nA Paqui y Macu\, presas de tercer grado\, solo las une el Tano\, la cárcel y el programa de reinserción social. Ahora\, dentro de un novedoso programa de inclusión\, se van un fin de semana al resort de Port Aventura con… ¡todo incluido! \nAl fin la suerte les sonríe\, ¿qué puede salir mal? La pregunta en realidad es: ¿qué puede salir bien cuando todo está incluido menos ellas? \nTodo Incluido es una trepidante comedia que reflexiona sobre la conveniencia de adaptarse a una sociedad que estigmatiza a los excluidos. Un espectáculo que reivindica la dignidad de las personas más vulnerables y que pone de manifiesto su precariedad. \n  \nREPARTO\nAna García \nSusana Martínez \n  \nFUNCIONES:\nJueves\, 12 de enero\, a las 20.00 h. \nViernes\, 13 de enero\, a las 20.00 h. \nSábado\, 14 de enero\, a las 20.00 h. \nDomingo\, 15 de enero\, a las 19.00 h. \nDuración: 60 minutos\nPúblico: A partir de 16 años. \nPrecio único: 12 € \n 
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SUMMARY:Luces
DESCRIPTION:Espectáculo circense de creación\, sobre una idea original y dramaturgia de PRODUCCIONES KINSER\, con asesoramiento dramatúrgico de Raúl Herrero \nLas casas tienen alma\, tienen luz. ¿Qué pasaría si pudieran hablar? Contarnos miles de historias que transcurren entre sus cuatro paredes. En esta historia nuestra casa tiene cabeza de tejado\, cuerpo de ventanas y pies de cemento. Nuestra casa nace\, y también muere; tiene vida.\nKini y Jano a través de la técnica de clown y la pantomima\, vienen a contarnos su historia\, y la historia de muchos habitantes que crecieron dentro de ella desde que se fabricó; de quienes allí nacieron hace ya tantos años\, de aquellos que entre sus paredes se enamoraron\, de los que a alguien perdieron y su recuerdo\, siempre se quedó allí dentro\, o incluso de los que ya no están. Definitivamente de cómo la vida cambia y transcurre a lo largo de los años. \nKini y Jano dan luz a este mágico lugar\, haciendo un recorrido por la infancia\, la juventud y la vejez del ser humano\, usando como testigo\, el lugar que les vio crecer: su casa; un conjunto de pequeñas lucecitas que brillan por sí solas\, tanto como las vidas que lo habitan. \nREPARTO\nJoaquín García Gil Kiny\nAlejandro García Jano \nMÚSICOS\nRafael Rodrigo (vientos)\nPedro Alguacil (pianos y teclados) \nDIRECCIÓN ARTÍSTICA\nSilvia García \nFUNCIONES:\nMiércoles\, 28 de diciembre\, a las 19.00h.\nJueves\, 29 de diciembre\, a las 19.00h.\nViernes\, 30 de diciembre\, a las 19.00h.\nSábado\, 31 de diciembre\, a las 12.00h.\nDomingo\, 1 de enero\, a las 19.00 h.\nLunes\, 2 de enero\, a las 19.00 h. \nDuración: 60 minutosPúblico: Todos públicos.\nPrecio único: 12 €\nBonificación: espectáculo bonificado para la función del miércoles\, 28 de diciembre
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SUMMARY:Superhéroes y Muñecos
DESCRIPTION:Rico y Lunita nos conducen\, desde el mundo de los muñecos\, hasta el increíble universo de los Superhéroes del comic más queridos\, en un espectáculo donde la música\, el baile y otras sorpresas\, son los protagonistas. Desde Spider-man\, el Capitán América\, la Mujer Maravilla\, las Super-girl y hasta los Power Ragers\, hacen las delicias de los más pequeños\, en los que el bien siempre triunfa\, en una propuesta llena de malabares\, piruetas\, saltos mortales…\, para el disfrute de un público familiar. \nREPARTO\nIvo Stankov \nMiriam Martínez \nNico Nale \nRicardo Paumard \nMilagros Andreu \nIrina Shuts \nCristina Morillas \nDIRECCIÓN ARTÍSTICA\nLuis Pardos \n  \nFUNCIONES:\nJueves\, 22 de diciembre\, a las 19.00h. \nViernes\, 23 de diciembre\, a las 19.00h. \nSábado\, 24 de diciembre\, a las 12.00h. \nDomingo\, 25 de diciembre\, a las 19.00 h. \nLunes\, 26 de diciembre\, a las 19.00 h. \nMartes\, 27 de diciembre\, a las 19.00 h. \n  \nDuración: 75 minutos\nPúblico: Todos públicos. Público familiar \nPrecio único: 12 € \nBonificación: espectáculo bonificado para la función del Jueves\, 22 de diciembre
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SUMMARY:Llega la Noche
DESCRIPTION:Llega la Noche de Miguel Ángel Mañas \nLlega la Noche se hunde en la poética de la desaparición como metáfora de una muerte silenciosa que ahoga el interior de los personajes\, y en consecuencia\, cualquier posibilidad de comunicación. Gracias a la musicalidad que respira el texto\, Miguel Ángel Mañas logra una pieza dramática de gran fuerza y resonancia\, capaz de sumergir al lector en una atmósfera onírica e inquietante\, dominada por la otredad y la extrañeza.\nLlega la Noche es una obra que retoma la temática de la familia y las relaciones entre sus individuos. \nLo cotidiano de una casa\, la familia\, la cena\, la cocina\, la visita del hijo emancipado\, la lluvia\, el coche sobre el pavimento camino del lago\, la noche y la naturaleza amenazante del agua y el bosque. Entre nuestras influencias textuales\, todo el realismo del mejor teatro americano de las manos de E. O’neill\, T. Williams y A. Miller.\nEn la puesta en escena está presente la estética del realismo de Charles Sheeler y Edward Hopper\, pero sobre todo\, LLega la Noche es una propuesta teatral concebida cinematográficamente\, a través de elementos como la videoescena\, los exteriores\, el paso del tiempo o los espacios ocultos. \nUna Casa.Una Familia.Ambas con su propio palpitar.Y en medio\, espacios en negro.Negra es la noche y parece no querer irse nunca. La casa lo sabe\, pero sus moradores esperan la luz del día\, que se resiste. Y mientras\, el recuerdo del agua\, contando una historia que parece no querer ser escuchada.Llega la Noche y susurrando\, ayuda al agua a dejar su huella\, pues el agua\, como el olvido\, siempre convierte al tiempo en presente\, dejando el pasado para la noche. \nREPARTO\nAlex Aldea\nMaría Pérez\nJesús Bernal\nNicolás Sanz \nEQUIPO ARTÍSTICO\nVestuario / escenografía.   DP Producciones / TRANVÍA Teatro\nIluminación / videoescena.  Diego Palacio Enríquez\nComposición musical.   Luis Villafañe\nAyudante de dirección.  Miguel Ángel Mañas \nDIRECCIÓN\nDiego Palacio \nFUNCIONES:\nJueves\, 15 de diciembre\, a las 20.00 h.\nViernes\, 16 de diciembre\, a las 20.00 h.\nSábado\, 17 de diciembre\, a las 20.00 h.\nDomingo\, 18 de diciembre\, a las 19.00 h.\nDuración: 75 minutosPúblico: Todos públicos.\nPrecio único: 20 €\nBonificación: espectáculo bonificado para las funciones de los días 15 \, 16\, 17 y 18 de diciembre \n 
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SUMMARY:El Reencuentro
DESCRIPTION:El Reencuentro\, una comedia original de Ramón Paso \nEl Reencuentro es la historia de dos hermanas completamente diferentes. Una de ellas\, una triunfadora\, virtuosa del violín y que considera las relaciones sociales como el hipócrita divertimento de los que no tienen nada mejor que hacer; y la otra\, una pobre perdedora llena de paciencia y de carencias afectivas. Ahora\, después de veinte años enfadadas por tonterías -y por cosas que no son tonterías\, aunque ellas todavía no lo sepan- se vuelven a ver las caras en un duelo divertido y gamberro\, donde tendrán que superar su pasado para poder tener un futuro. ¿Es mejor quererse o matarse? ¿O una mezcla? \nEl Reencuentro desarrolla con gran habilidad una situación explosiva\, manteniendo un tenso hilo con diálogos que son pura e incisiva filigrana. Una comedia ligera y feroz que enfrenta a dos hermanas\, Julia y Catalina\, que hace más de veinte años que no se ven. Un tema clásico tanto en el teatro como en el cine\, que podría tener visos de símil en el texto de Sebastián Junyent\, Hay que Deshacer la Casa.Julia es una violinista hipermetódica\, soltera\, maniática del orden\, misántropa\, triunfadora\, irritante e irritable\, que en vez de sentimientos tiene fobias. Por el contrario\, Catalina es una perdedora\, una ama de casa en horas bajas\, viuda\, dejada y con una vida desastrosa\, que llama a la puerta de su hermana buscando un lugar donde quedarse\, tras haber sido desahuciada de su vivienda. Su irrupción en un piso donde todo está numerado y clasificado en su lugar preciso\, pone los nervios a la asocial violinista que ve vulnerada su impoluta intimidad por alguien por quien no siente la menor empatía y no digamos ya cariño; Julia intentará expulsar a la intrusa\, sin éxito\, por lo que tendrá que darle cobijo provisional. El conflicto está asegurado.Esta comedia de Ramón Paso tiene todos los ingredientes para ser un gran éxito\, una montaña rusa de entretenimiento. Con el añadido de contar con Yolanda Blanco y Minerva Arbués como protagonistas absolutas\, que vuelven a reencontrarse sobre los escenarios tras el montaje de La Casa de Bernarda Alba\, dirigida por Santiago Meléndez. Una cuidada producción\, un texto ingenioso y un reparto que se se navega de maravilla en la comedia\, son los ingredientes de este reencuentro. ¿El resultado? Una hilarante comedia. \nREPARTO\nYolanda Blanco\nMinera Arbués \nDIRECCIÓN\nMario Ronsano / Yolanda Blanco \nFUNCIONES:\nViernes\, 2 de diciembre\, a las 20.00h.\nSábado\, 3 de diciembre\, a las 20.00 h.\nDomingo\, 4 de diciembre\, a las 19.00 h.\nLunes\, 5 de diciembre\, a las 20.00 h.\nMartes\, 6 de diciembre\, a las 19.00 h.\nMiércoles\, 7 de diciembre\, a las 20.00 h.\nJueves\, 8 de diciembre\, a las 19.00 h.\nViernes\, 9 de diciembre\, a las 20.00 h.\nSábado\, 10 de diciembre\, a las 20.00 h.\nDomingo\, 11 de diciembre\, a las 19.00 h. \nDuración: 80 minutosPúblico: Todos públicos\nPrecio único: 20 €\nBonificación: espectáculo bonificado para las funciones de los días 2\, 3\, 4\, 5\, 6\, 7\, 8\, 9\, 10 y 11 de diciembre
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SUMMARY:X ENCUENTRO INTERNACIONAL DE IMPROVISACIÓN. Zaragoza Improvisa 2022
DESCRIPTION:X Encuentro Internacional de Improvisación. Zaragoza Improvisa 2022\, espectáculo de improvisación grupal organizado y coordinado por TEATRO INDIGESTO. \nTeatro Indigesto vuelve a la carga con la Xª Edición del Encuentro Internacional de Improvisación ZARAGOZA IMPROVISA 2022 en el Teatro del Mercado. \nZaragoza Improvisa 2022\, pretende seguir haciendo de Zaragoza\, la ciudad de referencia de la improvisación teatral nacional\, reuniendo a improvisadores/as de toda España\, y a las Compañías más destacadas e interesantes del panorama nacional\, además de alguna propuesta internacional como la de Omar Argentino Galván\, así como la participación de artistas y Compañías locales.\nPara esta nueva edición\, Teatro Indigesto trata de continuar con la presencia nacional e internacional de otras ediciones\, además de seguir contando con el talento local\, combinando formatos donde los artistas participantes del encuentro\, compartan escenario con espectáculos cerrados de las compañías invitadas.\nEsta Xª Edición contará con charlas online en relación a diferentes temas del mundo de la improvisación nacional e internacional\, haciendo disfrutar del teatro con humor mediante diferentes formatos. Cada día se convierte en un espectáculo diferente… \nPROGRAMACIÓN\nMiércoles\, 23\nIMPROMADRID (Madrid)\nJAMMING 20 aniversario (Madrid)\nLA TETERA IMPRO (Granada)\nJueves\, 24\nIMPROTOUR (Argentina)\nIMPROALMERÍA (Almería)\nIMPRUDENTES (Tenerife)\nViernes\, 25\nDIEGO INGOLD (Mallorca)\nIMPROVIVENCIA (Alicante)\nIMPROVALLADOLID (Valladolid)\nSábado\, 26\nAL TRAN TRAN (Madrid)\nGUERRILLA IMPRO (Valencia)\nDomingo\, 27\nFLOC TEATRE (Castellón)\nTEATRO BICHO (Zaragoza)\nDIEGO PEÑA (Zaragoza)\nIMPROAMIGAS (Zaragoza)\nEL CANTO DEL ESTORNINO (Zaragoza)\nLOS WILLIAMS (Zaragoza)\nPEPE LIRROJO (Zaragoza)\nDOBLE CHEC (Zaragoza) \nEQUIPO ARTÍSTICO\nIluminación. J. J. Sánchez\nFotografía. Chusico Espeleta \nCOORDINACIÓN y DIRECCIÓN\nEncarni Corrales \n  \nMiércoles\, 23 de noviembre\, a las 20.00 h.\nJueves\, 24 de noviembre\, a las 20.00 h.\nViernes\, 25 de noviembre\, a las 20.00 h.\nSábado\, 26 de noviembre \, a las 19.00 y 21.00 h.\nDomingo\, 27 de noviembre\, a las 19.00 h.\nDuración: 75 minutosPúblico: Todos públicos\nPrecio único: 12 €
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SUMMARY:Vivere Memento ‘La puerta de la memoria’
DESCRIPTION:La Puerta de la Memoria es el título del nuevo trabajo de la formación musical VIVERE MEMENTO\, formación musical compuesta por María José Hernández\, Joaquín Pardinilla y Luis Delgado. Un manojo \nLa Puerta de la Memoria es el título del nuevo trabajo de la formación musical VIVERE MEMENTO\, formación musical compuesta por María José Hernández\, Joaquín Pardinilla y Luis Delgado. Un manojo de canciones que tienen como denominador común sus orígenes centenarios. Algunas pertenecen a la tradición aragonesa\, otras están tomadas del repertorio sefardí y una de ellas\, basada en una leyenda europea\, importad desde Inglaterra. \nHa sido la belleza de sus melodías y lo sugerente de sus textos lo que ha fascinado a los componentes de VIVERE MEMENTO\, volvIéndolos a reunir al calor de la música y de la amistad\, para disfrutar grabando un disco y llevar al escenario este nuevo proyecto musical. \nEn este tiempo el arte se convierte en un refugio certero que nunca nos defrauda\, y eso es lo que pretende este nuevo trabajo de VIVERE MEMENTO\, La Puerta de la Memoria: invitarnos a abandonar\, por unos instantes\, la cotidianidad que nos asedia con sus problemas\, para trasladarnos a un lugar del corazón donde las melodías se tornan intemporales. \nEn este disco han contado con la participación inestimable de Joaquín Díaz\, Amancio Prada y Cuco Pérez\, además del maravilloso óleo cedido para la portada de la pintora Inés Lázaro. \n  \nLa escucha del repertorio sefardí ejerce sobre nosotros una inexplicable fascinación\, que sólo encuentra explicación en la enorme calidad artística y en el contenido emocional que ha hecho que estas melodías pervivan hasta nuestros días.\nCon este segundo disco\, VIVERE MEMENTO sube al escenario de nuevo con el repertorio tradicional aragonés\, que interpretan junto a las citadas melodías sefardíes y algún romance de la tradición británica. Su concierto es una invitación para viajar en el tiempo de la mano de estos hermosísimos textos y de estas bellísimas melodías.\n\n\nPara finales del siglo XV\, cuando los Reyes Católicos redactan su despiadado decreto de expulsión\, son muchas las poblaciones que tienen\, desde tiempo inmemorial\, su propia judería. Córdoba\, Huesca\, Hervás\, Toledo\, Albarracín\, Estella\, Calatayud\, Tudela\, Segovia y un largo etc. Tras el mencionado edicto del 31 de marzo de 1492\, muchos judíos encontrarán refugio en diferentes localidades mediterráneas que les acogen con más o menos buena disposición; localidades como Fez\, Rodas\, Estambul\, Orán\, Tremecén\, Nápoles\, etc.\, fueron el destino incierto de miles y miles de judíos hispanos. Como ejemplo habría que destacar a la localidad de Salónica; en 1430 el Reino de Salónica había sido ocupado por el Imperio Otomano\, y el Sultán Beyazid II\, apodado el justo\, brindará su ayuda y protección a los emigrantes\, enviando barcos de su armada a recoger a los judíos desterrados. Se mueve el Sultán de acuerdo con la ley musulmana que reclama respeto para las llamadas Gentes del Libro\, es decir\, aquellas religiones que tiene la Biblia como libro sagrado. Los sefardíes se distribuirán por diferentes ciudades del Imperio\, pero Salónica acogería a gran parte de ellos. En poco más de dos décadas\, la población hebrea de esta ciudad representaba un 56 % de su totalidad; de ellos\, un gran número eran aragoneses\, y según recoge Abraham Salom\, el que fuera primer titular de la cátedra de hebreo en la Universidad de Madrid\, y el fundador de la primera sinagoga en la capital; (todavía en 1915 los descendientes de hebreos aragoneses en Salónica\, se hacían llamar orgullosamente "saragosanos"). Los tremendos acontecimientos de nuestros días\, nos muestran claramente\, que no todas las sociedades se portan tan generosamente con los emigrantes despojados de todo\, como lo hicieron los gobernantes de tantas ciudades del Mediterráneo\, que acogieron y protegieron a los que más lo necesitaban.\nEn este concierto\, VIVERE MEMENTO nos brinda la oportunidad de escuchar cómo se expresaron aquellos compatriotas nuestros que se vieron despojados\, no sólo de sus propiedades\, sino de sus recuerdos y hasta de sus raíces. También podremos escuchar una revisión actual de piezas recogidas en cancioneros históricos\, como el de Diego Pisador (1552)\, cancioneros tradicionales de la importancia de los recopilados por Ángel Mingote (1950)\, o Miguel Arnaudas (1927)\, piezas medievales\, como las femeninas Cántigas de Amigo\, de Martín Codax (siglo XIV)\, etc.\n  \n  \nMÚSICOS\nMaría José Hernández  (voz-teclado) \nJoaquín Pardinilla  (guitarra acústica-mandola-guitarra e-bow sin trastes) \nLuis Delgado  (zalfona-guitarra sitar-mandolina-slapstick-percusión) \n 
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SUMMARY:Canciones de una vida
DESCRIPTION:Canciones de una Vida es un espectáculo protagonizado por dos artistas aragoneses: Lola Moreno y Miguel Ángel Arregui. Después de participar en el programa Canciones de Nuestra Vida con Francis Lorenzo como presentador y GestMusic como productora ejecutiva\, decidieron formar su propio espectáculo musical titulado Canciones de una Vida. El espectáculo combina la interpretación y presentación artística de los temas\, décadas y épocas\, con las voces de estos dos singulares artistas\, acompañados con dinámicas y conocidas coreografías de baile reconocibles para todo el mundo y que seguro forman parte de la memoria colectiva y musical de cada uno. \n  \nAl finalizar el programa de ANTENA 3 TV Canciones de Nuestra Vida\, decidimos producir nuestro propio espectáculo siguiendo la línea del programa. Cuidando en todo momento el vestuario y la puesta en escena\, escogimos los temas musicales\, minuciosamente seleccionados\, con el fin de hacer participar al público en  todas y cada una de esas melodías que en algún momento marcaron una parte importante en sus vidas. El repertorio cuenta con canciones de intérpretes internacionales tan conocidos como Albano & Romina Power\, Renato Carosone\, Mina\, Jimmy Fontana\, Patty Pravo\, Los Panchos\, Luis Aguilé\, los Teen Tops\, Karina\, Boney M\, Abba\, Raffaella Carrà\, Creedence\, Los Tres Sudamericanos\, Los Brincos\, Ricchi e Poveri\, Bonnie Tyler...\, entre otros. Es todo un homenaje a los mayores éxitos de la historia de la música\, desde el rock & roll de los 50\, a los guateques de los 60\, pasando por la época dorada inolvidable de los 70; canciones italianas y de la movida madrileña de los 80.\n\nDespués de más de 20 años como pareja artística Lola Moreno y Miguel Ángel\, nos sentimos muy orgullosos de la evolución de nuestro espectáculo a lo largo de todo este tipo. El hecho de que todos los temas interpretados sean conocidos acompañados de una divertida puesta en escena\, hace de nuestro trabajo una propuesta musical elegante a la vez que dinámica\, colorida y amena\, en la que el público no cesa de cantar\, bailar\, soñar y recordar...\, asegurando el éxito de antemano. Nuestra mayor y mejor carta de presentación\, son los casi 23 años que nos avalan como artistas recorriendo la geografía española y contagiando al público con nuestro entusiasmo.\n\nFUNCIONES:\nJueves\, 27 de enero\, a las 20.00h. \nViernes\, 28 de enero\, a las 20.00h. \nSábado\, 29 de enero\, a las 20.00h. \nDomingo\, 30 de enero\, a las 19.00 h. \nPrecio único: 12 €
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CATEGORIES:Espectáculos,Música
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SUMMARY:Don Gil de Olmedo es sueño
DESCRIPTION:Segismundo lleva toda su vida encerrado en una torre\, pero… ¿y si mientras lo trasladan a su palacio\, escapa? ¿Y si Doña Juana\, que viaja disfrazada de Don Gil de las Calzas Verdes\, se ve obligada a parar a causa de la nieve? ¿Y si el Caballero de Olmedo no murió a manos de Don Rodrigo aquella noche? ¿Y si Celestina sigue fabricando remedios de amor? ¿Y si todos ellos se encuentran en un bar de carretera? ¿Y si…? Don Gil de Olmedo es Sueño. \nEl siglo XVII lo significó todo para el teatro español; es su Siglo de Oro. Nombres como Lope de Vega\, Tirso de Molina y Calderón de la Barca\, están escritos con mayúsculas en nuestra historia. Queremos rendirles homenaje de la mejor forma que sabemos: revisando y adaptando a nuestro lenguaje propio\, el lenguaje del siglo XXI. Esta adaptación pretende dotar de cercanía al clásico\, jugando con diversas técnicas de interpretación y con la música en directo. Hacemos uso de la técnica de clown\, del bufón\, rozamos la farsa y le dedicamos un guiño especial al teatro musical: ¡la trama está intercalada con divertidos temas interpretados en directo! \nLa idea de Don Gil de Olmedo es Sueño es crear un espectáculo con profundidad y contenido\, pero que resulte divertido y cercano ante el público. Perseguimos un ambiente cinematográfico\, jugamos con la obtención de distintos valores de plano\, temporales\, solapando escenas y viajando a una velocidad vertiginosa. \n  \nDon Gil de Olmedo es Sueño no es un "remix" de los textos clásicos aludidos por el título; cuenta con una dramaturgia original inspirada en textos del Siglo de Oro español. Eso sí\, los oídos más avezados podrán distinguir versos de Lope de Vega\, Calderón de la Barca\, Tirso de Molina e incluso de Fernando de Rojas. \nRecogiendo el arranque y las motivaciones de sus personajes principales: Doña Juana e Inés de Don Gil de las Calzas Verdes; Segismundo\, de La Vida es Sueño; y Alonso\, de El Caballero de Olmedo\, hemos compuesto una nueva historia\, en la que estos personajes -junto con otros de nuestra invención- componen nuevas situaciones y cambian el destino al que estaban acostumbrados.\nComo lo hacen las comedias nuevas del Siglo de Oro\, la nuestra es un enredo continuo\, una madeja de hilo que no para de engordar y girar justo hasta el último instante en que todo se resuelve. Una comedia a caballo entre el verso y la prosa\, entre la prosa y el verso.\n  \nREPARTO\nMinerva Arbués \nElena Gómez Zazurca \nManuel López \nAlfonso Palomares \nFUNCIONES:\nMiércoles\, 19 de enero\, a las 20.00h. \nJueves\, 20 de enero\, a las 20.00h. \nViernes\, 21 de enero\, a las 20.00h. \nSábado\, 22 de enero\, a las 20.00h. \nDomingo\, 23 de enero\, a las 19.00 h. \nDuración: 70 minutos\nPúblico: Todos públicos. \nPrecio único: 20 € \nBonificación: espectáculo bonificado para las funciones de los días 19\, 20\, 21\, 22 Y 23 de enero
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SUMMARY:Gran Hotel Maravilla
DESCRIPTION:La obra “Gran Hotel Maravilla”\, de la compañía aragonesa Producciones Kinser\, abrirá este miércoles 22 de diciembre la programación navideña del Teatro del Mercado de Zaragoza y se podrá ver hasta el día 26. Humor\, circo y música en directo son las tres estrellas de este «maravilloso» hotel\, regentado por los payasos Kiny\, Serrucho y Jano\, acompañados por Silvia García\, Óscar Hernández\, Lucía Igual y la Orquesta Maravilla\, compuesta por cuatro músicos en directo. Se celebrarán cinco funciones los días 22\, 23\, 25 y 26\, a las 19 horas. El día 24\, a las 12 horas. Entradas: 12€ (en taquilla y en Ibercaja). \nEste referente hotelero\, que durante su época dorada derrochaba lujo y glamour\, reabre sus puertas. Imaginen un botones de lo más atento\, los mejores servicios\, un restaurante exquisito\, un hospedaje de calidad\, la mejor orquesta… Pero ahora imaginen que este mágico lugar lo regentan Kiny\, Serrucho y Jano\, tres payasos de lo más clásico\, haciendo lo clásico. ¿Conseguirán sacarlo adelante? \nCon esta obra\, estrenada en mayo con gran éxito\, Producciones Kinser celebra su treinta aniversario en los escenarios. Esta Navidad volverán a emocionar y a hacer reír al público infantil y familiar con sus locuras\, su imaginación y sus sueños\, ofreciendo un espectáculo lleno de ilusión\, humor y fantasía. Interpretado y producido por payasos\, la compañía introduce a estos personajes en una trama teatral\, con una dramaturgia\, diseño de escenografía e iluminación propia de un gran espectáculo. \nReparto: Joaquín García (Kiny)\, José Luis Sierra (Serrucho)\, Alejandro García (Jano)\, Silvia García\, Óscar Hernández (Osky)\, Lucía Igual (Lulú). Orquesta Maravilla: Rafael Rodrigo (vientos)\, Pedro Alguacil (piano)\, Nacho Flores (batería)\, Víctor Murillo (bajo). Escenografía: Manuel Pellicer. Vestuario: Lucía Igual. Vestuario clown: Esther Martín. Iluminación: Alfonso Félez / Jonathan Carrillo. Arreglos musicales: Javier Torres / Pedro Alguacil. Atrezzo en madera: Escaleras Fortea\, Alfonso Félez.
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SUMMARY:Unos Cuantos Piquetitos
DESCRIPTION:Unos Cuantos Piquetitos trata un tema desgraciadamente reciente\, tristemente real y cercano. Han fallecido más de 900 mujeres en los últimos quince años en España; masacradas\, golpeadas\, quemadas o arrojadas al vacío por sus parejas. Esas bestias aprendieron una lección dictada por la sociedad en la que vivimos. A través de Unos Cuantos Piquetitos se refleja la incomunicación de la pareja; Laila Ripoll nos vuelve a agitar para que no olvidemos lo que está pasando; para que reflexionemos y digamos: ¡Basta! \nUnos Cuantos Piquetitos de la dramaturga\, directora y docente\, Laila Ripoll\, relata la historia de una pareja con roles estrictamente definidos por una sociedad patriarcal: él manda\, ella obedece. Cualquier transgresión a la regla conlleva al abuso verbal\, psicológico o físico. El título de la pieza\, escrita en el 2000\, remite a la pintura homónima de Frida Kahlo en 1935. En ella se ve a una mujer tendida sobre una cama con el cuerpo apuñalado por el cuchillo de un hombre que la contempla. La obra pictórica\, basada en una historia periodística\, el título sugiere la idea de que “no era para tanto”. \nUnos Cuantos Piquetitos propone una reflexión directa e inteligente sobre la violencia de género\, profundizando en los tópicos que\, desgraciadamente\, siguen amparando este tipo de comportamientos violentos\, tanto físicos como emocionales\, por lo que es todo un reto para cualquier intérprete. \nUnos Cuantos Piquetitos de Laila Ripoll \nFUNCIONES:\nJueves\, 16 de diciembre\, a las 20.00h. \nViernes\, 17 de diciembre\, a las 20.00h. \nSábado\, 18 de diciembre\, a las 20.00h. \nDomingo\, 19 de diciembre\, a las 19.00 h. \nDuración: 80 minutos\nPúblico: Adultos. A partir de 12 años. \nPrecio único: 20 € \nBonificación: espectáculo bonificado para las funciones de los días 16\, 17\, 18 y 19 de diciembre \n  \n 
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SUMMARY:Espacio Reto
DESCRIPTION:La IX Edición de Espacio Reto\, presenta\, una vez más un elenco de artistas locales con propuestas novedosas y arriesgadas. Espacio Reto es un espacio escénico de juego\, prueba\, error y acierto\, en el que se da cabida\, una vez más\, a varios artistas escénicos con propuestas en proceso de creación o que deseen poner a prueba ante un público. \nCon un formato de Gala-cabaret\, Espacio Reto\, que viene haciéndose desde hace siete ediciones\, ofrece propuestas artísticas con una duración máxima de 10 minutos\, que son conducidas por un presentador y en las que podemos ver disciplinas como circo\, música\, títeres\, monólogos\, danza\, teatro…\, y otras disciplinas. \nEspacio Reto se presenta con el único propósito de impulsar la creación\, dando la oportunidad de mostrar trabajos de creación en un espacio escénico\, donde los artistas puedan tener un contacto directo con el público\, para poder seguir desarrollando la creación. Espacio Reto se desarrolla dos veces al año\, tratando de impulsar la creación artística local\, movilizando las artes escénicas en cada barrio de la ciudad\, y dando visibilidad a los diferentes procesos colectivos que se están llevando a cabo en la ciudad. Las propuestas\, son seleccionadas a través de convocatoria abierta\, y son números de corta duración y cuya recaudación es destinada a proyectos pedagógicos y sociales\, que lleva a cabo la Escuela de Circo Social. \nARTISTAS PARTICIPANTES\nCarmeneta (Red aérea) \nPablo Cierzo (Malabares y verticales) \nIvet Sanz / Pierre Moullier (Teatro físico) \nJules (Aro aéreo) \nExtrapolonio (Mástil chino) \n\nLa IV Edición Espacio Reto\, es una gala-espectáculo con diferentes disciplinas circenses \nViernes\, 3 de diciembre\, a las 19.00 h. \nSábado\, 4 de diciembre\, a las 19.00 h. \nDomingo\, 5 de diciembre\, a las 19.00 h. \nDuración: 75 minutos\nPúblico: Espectáculo familiar \nPrecio único: 12 €
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SUMMARY:The watching machine
DESCRIPTION:La máquina de mirar era el nombre que recibían aquellos objetos del siglo XIX que\, a través de espejos y obturadores\, creaban ilusiones. En la pieza The Watching Machine\, la máquina es una propia caja escénica. En ella jugamos con la luz\, las sombras y los reflejos para experimentar qué es ilusión\, qué es representación y qué es convención teatral. Una pieza compuesta por pequeñas instalaciones donde se ficciona la luz y las sombras a través de ilusiones ópticas. \nEn The Watching Machine nos encontramos\, de nuevo\, en los reinos de la mirada\, con todo el escenario convertido es una especie de caja mágica en la que tienen lugar las correspondientes mutaciones perceptivas de la mirada doble -donde las cosas no son lo que aparentan ser-. Un espectáculo bello\, divertido\, estimulante\, relajante e hipnótico de teatro visual donde el juego escénico de cuerpos\, luces\, sombras\, espejos y reflejos\, de incuestionable belleza plástica y poética\, se convierte en un fascinante mundo de ilusiones ópticas\, de engaños visuales llenos de magia y poesía. En este brillante espectáculo ritual hay una estudiada puesta en escena de los elementos espaciales que lo conforman\, como el bosque de pies de micrófono que inunda el escenario\, así como sus espejos\, que con su capacidad reflexiva\, desdoblan imágenes y quiebran la luz\, ofreciendo un hipnótico universo sonoro-visual-coreográfico compuesto por haces de luz\, que llenan todo el espacio escénico. Un excelente trabajo de investigación escénica creado con mucho talento. \nThe Watching Machine\, espectáculo de creación de Miriam Ubanet\, Ana da Graça\, Jorge Dutor y Macarena Recuerda\, sobre una idea original de Macarena Recuerda \nFUNCIONES:\nViernes\, 26 de noviembre\, a las 20.00 h. \nSábado\, 27 de noviembre\, a las 20.00 h. \nDomingo\, 28 de noviembre\, a las 19.00 h. \nDuración: 55 minutos\nPúblico: Todos públicos (a partir de 7 años) \nPrecio único: 12 €
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