En el Teatro del Mercado se presenta, los días 6 y 7 de marzo, una nueva edición  del Festival Pies para qué los Quiero. Un título que rinde homenaje a la pintora mexicana Frida Kahlo, es un Festival de danza creada por mujeres. Lo conforman, en esta ocasión, nueva interesantes propuestas -cinco de ellas, estreno absoluto-, con la Danza Contemporánea como protagonista en sus diferentes formas de expresión y lenguajes, exclusivos de cada una de las creadoras e intérpretes de las piezas.

Comunicación, expresión, emoción, sentimiento, energía, imaginación, humor, reflexión, fuerza, empatía… Todos estos ingredientes, forman parte del menú de esta IV Edición.

 

Sábado, 6 de marzo

ELECTRIC GAMES. Duración 15 ‘

Al escuchar la música, el cerebro procesa de manera separada los elementos racionales que contiene y la respuesta emocional que provoca. Sucede a la vez, pero en partes diferentes del cerebro. Emoción y razón se unen y separan, se distinguen y complementan. De la misma manera, ¿qué nos mueve en nuestras decisiones, la razón o la emoción?

En ese equilibrio inestable nos movemos para trazar una línea que nos lleva hacia delante. A veces gana uno, a veces otro… A veces, lo mejor es escucharse y llegar a un acuerdo. Electric Games, es un diálogo entre razón y emoción, entre un compositor y una coreógrafa, entre los impulsos del cuerpo y el tempo que los gestiona. Un diálogo entre Gonzalo Alonso e Ingrid Magrinyà.

 

ELECTRIC GAMES
Intérpretes
Ingrid Magrinyà (Danza)
Gonzalo Alonso (Creación e Interpretación musical)

Dedicada, principalmente a la danza contemporánea como coreógrafa y bailarina, compatibiliza su profesión colaborando también con otras disciplinas de las artes escénicas, y el arte contemporáneo, además de la docencia. Nacida en Ibiza, estudia danza clásica en el Estudio María de Ávila, desde los 15 años. Es titulada en Danza Clásica y Técnica se Coreografía Contemporánea, por los Conservatorios Superiores de Palma de Mallorca y Valencia. Becada por la Nouvelle École des Maîtres, trabajó bajo la disciplina del artista y creador Jan Fabre, además de colaborar con la Compañía alemana DIE AUDIO GRUPPE y GELABERT-AZZOPARDI Companyia de Dansa. En los últimos tiempos, ha trabajado para las Compañías aragonesas TEATRO CHE Y MOCHE, que le llevó a obtener el Premio Max de las Artes Escénicas, y también con TEATRO DEL TEMPLE, además de la Compañía de Danza de ELIA LOZANO y LA MOV BALLET, entre otras. Colabora en el proyecto Dos en Paralaje, de Milki Lee, creando su primera pieza, Manos Pegajosas, y Mani che si Trovano, versión extendida y estrenada en Turín. Ha sido asistente coreográfica para Can Arslan, en la actualidad Director Artístico del NORDHARDER BALLET, creando piezas para el THEATER AUGSBURG BALLET. THEATER MAGDEBURG BALLET, DELATTRE DANCE COMPANY y para el KIEL BALLET, entre otros. Bajo la dirección de Paco de la Zaranda y Eusebio Calonge, de LA ZARANDA, forma parte del espectáculo La Extinta Poética, en gira nacional e internacional. En la actualidad, está en plena producción del espectáculo Convertirse mi luto en Danza para LA EXTINTA POÉTICA, nombre convertido en nueva Compañía.

Gonzalo Alonso (Músico)
Músico y compositor, ha creado composiciones para numerosos espectáculos de teatro, ballet, documentales, cortometrajes y video-creaciones. Algunos de estos trabajos, han sido premiados en diversos festivales tanto de España como del extranjero. Su música ha sonado en diferentes espectáculos representados en teatros de ciudades de España, Francia (París, Toulouse, Pau), Alemania (Halberstadt, Magdeburg), Italia (Milán), Portugal (Lisboa), Holanda (Ámsterdam), China (Shanghái), Japón (Aichi), o Estados Unidos (Miami)…, entre otras.

DING-KARA. Duración 12 ‘

La concepción de un cuerpo como un campo orgánico de memoria somato-emocional. Campo de siembra y labranza; de cosecha y barbecho. Cuerpa morada, contenedora de vida. Sujeto y objeto. Cuerpo como ente efímero, caduco. Cuerpo perenne, sustrato de lo venidero.

Cuerpa puerta receptora, a través de la cuál entra la existencia, se absorben las costumbres y las prácticas. Pero el cuerpo también es un mecanismo de expresión, parte integrante de la construcción de significados colectivos.

Cuerpo pensante y cuerpa sensible. Cuerpa como territorio de la rebeldía. Cuerpo político. Cuerpo artefacto creativo. Cuerpa como materia, presencia y espacialidad. Cuerpo individual y cuerpo colectivo, ambas escenario y actriz de lo cotidiano. Cuerpo como territorio, y espacio como prolongación del cuerpo. Si lo tomamos como mundo, el cuerpo se equipara a un territorio, un espacio de identificación, límite, frontera; ser ilimitada desde los límites. Enfocado como vida, se equipara a un instrumento, un medio para alcanzar la experiencia.

 

DING-KARA
Intérprete
Lydia Onaran
Música
mix de Olafur Arnalds y Jocelyn Pook

Lydia Onaran (Bailarina)
Es un ser sin definir; nada es. Inmersa en un decapaje y una desprogramación constante, encuentra en el arte y la experimentación corporal un refugio y medio de expresión. Autodidacta multidisciplinar, recibe formación en danza contemporánea, circo, taiji, yoga y técnicas de improvisación desde 2014. Cuenta con dos creaciones propias, Devenires (para la VI Edición de Espacio Reto, en el Teatro del Mercado) y Transformación (para Tattoo Circus Zaragoza). De discurso vivido, practica activismo social cotidiano. Apela a considerar  las  infinitas  posibilidades  de  deconstruir  y  construir  nuestros  propios  cuerpos  para vivirlos de una manera más plena, autónoma y consciente, así como el mundo que nos toca habitar. Comunica desde la vitalidad y la sabiduría del soma, a través de creaciones basadas en la exploración del movimiento y la manipulación de objetos, la danza y el circo, con la experimentación vital como fuente, apoyadas en la investigación teórica.

¿Y AHORA QUÉ?. Duración 15′

La pieza, como acto creativo, nace de la necesidad de contar. Nace del hecho de no conseguir borrar de nuestras frentes saturadas la pregunta:“¿qué vendrá después?”. Decidimos deliberadamente hablar sobre la insistencia en la que a veces nos vemos atrapadas en comenzar algo y abandonarlo una y otra vez. Llegamos a la conclusión de que el desasimiento de los motivos propios es condición indispensable para crear y crecer en conjunto. Conseguimos generar un vínculo entre tres personas sumamente diferentes que consiguen alcanzar una misma situación y estado desde donde se aventuran hacia lo desconocido, hacia un futuro bastante incierto, que se desarrolla en el ¿Y Ahora qué?

 

¿Y AHORA QUÉ?. COMPAÑÍA X
Creación e Interpretación
Saray Garzia Hazas (creadora, coreógrafa e intérprete)
Nadia Yagoubi (creadora, coreógrafa e intérprete)
Ada Continente (creadora y coreógrafa)
Ainhoa Usandizaga (intérprete)
Iluminación
Davicarome
Fotografía y vídeo
Eduardo Arnillas – Mario Tejero – Davicarome
Asistencia audiovisual
Víctor Conejo – David Torrejón

La Compañía X arranca en Madrid en 2018, con su primera pieza Y Ahora Qué? con la que gira por Centroamérica, realizando actuaciones en países como Costa Rica, Panamá y México. Allí es representada en festivales como LaMachine, Bienal Innexo, Festival Espontáneo..., entre otros. También han contado con el apoyo del Centro Cultural de España en México, donde realizaron una residencia para crear la versión ampliada de su pieza. En la actualidad, la Compañía X sigue compartiendo su trabajo actuando, tanto por diferentes festivales y teatros, como realizando talleres en distintas ciudades españolas y del extranjero.

Sus componentes, Saray Garzia, procede de Eibar. Formada en danza contemporánea y moderna en Madrid, ha desarrollado su trayectoria con coreógrafas como Manuela Barrero y Amaya Galeote. Ha participado en spots publicitarios y videoclips, así como en musicales infantiles y otros. Nadia Yagoubi, procede de Madrid y como intérprete, ha trabajado para Jesús Rubio, Daniel Abreu, Nicolás Rambaud, Anuska Alonso y Poliana Lima. También trabaja como docente en escuelas nacionales y en el extranjero. Ada Continente, procede de Zaragoza; formada en su ciudad natal y en Madrid con, entre otros, Antonio Almenara. Profesionalmente ha trabajado como intérprete en el “Performing Gender” con la Compañía Zuk, dentro del Certamen Coreográfico de Madrid, entre otras creaciones. Es bailarina de la Compañía Poliana Lima. Ainhoa Usandiaga, procede de Hernani. Formada en el Conservatorio Profesional de Danza de Burgos, continúa sus estudios en Madrid. Profesionalmente ha trabajado en varias piezas de danza de Ana Erdozain, Jesús Rubio, Itxaso Cano, así como con la productora Back Productions. En la actulialidad, es bailarina de la Compañía Poliana LIma y de Cielo Raso.

 

CUANDO SOMOS. Duración 12′

Cuando Somos es un dúo de danza contemporánea donde el lenguaje de la danza y el movimiento corporal dialogan en directo con la intención de acercarse al espectador transmitiendo un mensaje íntimo en el momento presente. Encarna y simboliza un instante de conexión con todo aquello que somos y nos rodea. Un espacio para parar, respirar y poder apreciar la belleza del arte a través del movimiento, de la unión y el conjunto, de la escucha interna y el vínculo. Una traducción activa y coexistente sobre lo que somos y todo aquello que nos permitimos cuando nos dejamos ser y nos habitamos de forma consciente. Representa más que danza, persigue crear una atmósfera donde cada detalle forme parte del todo.

La acción se traza en el marco de la danza contemporánea guiada directamente por el estilo personal que caracteriza a esta formación e incorpora influencias de otros estilos. Movimientos visualmente claros y limpios. Trabajo de suelo físico y elegante donde predomina la armonía. El trabajo corporal en pareja, representa los pares de plasticidad y fuerza; dualidad y equilibrio; cuidado e impacto; danza y vida en movimiento.

La intención es que el espectador entienda y conecte de forma simple y directa con lo que ve, poniendo énfasis en la existencia y en la belleza de lo natural. Cuando Somos juntas. Cuando Somos el espacio que habitamos. Cuando Somos tierra, piel y agua. Cuando Somos en esencia estando presentes. Cuando Somos en plural. Somos cuando hay escucha, cuando las diferencias son un punto de encuentro.

Sentirte en mi. Adentrarme en ti. A veces me ahoga pensar que no puedo mezclarme contigo, por momentos me gustaría que fuéramos un mismo elemento, una sustancia, un fluido. Seríamos aquello que compone aquello que somos. Algo. A veces me agobia mirarte y sentir que no puedo abrazarte por dentro. La piel me limita. Quiero tocarte por dentro. Quiero amarte sin piel. Y que puedas sentir que estoy contigo. Que soy contigo mientras tú sigues siendo. Que eres conmigo y soy a la vez que somos.

 

CUANDO SOMOS. LOOKATHINGSDIFFERENT
Intérpretes
Carla Cervantes (Coreógrafa y bailarina)
Sandra Egido (Coreógrafa y bailarina)
Iluminación
Antonio Molina Navalón
Fotografía
Iris Vallés – Germán Antón

Carla Cervantes Caro y Sandra Egido Ibáñez, bailarinas, coreógrafas y creadoras de contenido relacionado con la fotografía, el vídeo y la danza. Autodidactas y emprendedoras. Reconocidas por su habilidad a la hora de mostrar nuevas perspectivas a través de sus imágenes y movimientos. La fusión de la danza, el diseño y la moda son una base fundamental en sus trabajos. Juntas desde 2013, han vivido en China y la personalidad en sus piezas, las ha llevado a viajar por países como Dubai, Croacia, Francia, Alemania y Hong Kong.

Su estilo de danza se caracteriza por un trabajo de suelo físico y a su vez delicado que incorpora influencias de la danza contemporánea y del breaking. Reivindicativas desde sus inicios, apostando por desdibujar roles de género y estereotipos; creativas, inquietas que persiguen la belleza con la intención de transmitir, contar y conectar con las personas.

Después de haber recorrido diferentes países por todo el mundo, deciden volver a España con la intención de establecerse en casa para compartir, mostrar y aportar nuevas propuestas a partir de la experiencia adquirida. Antes de que esto llegue a suceder, son propuestas como las nuevas profesoras, coreógrafas y juezas de la nueva edición del programa de televisión “Fama A Bailar” en #cero de Movistar+, formando parte del formato durante los dos últimos años, donde centran su energía en la creación coreográfica de piezas cortas con un marcado énfasis en la estética y la interpretación audiovisual. Conectando con todo tipo de públicos han logrando una destacada aceptación por parte de la audiencia. Actualmente enfocan todo su tiempo en transformar y dirigir todos los conocimientos recopilados en la creación de piezas que puedan ser disfrutadas, sentidas y apreciadas en directo. En escena, en un espacio, un silencio y un tiempo concreto. En el momento, efímero.

 

ROJO. Duración 18′

La palabra rojo deriva del latín rŭssum o rŭsseŭs. A nivel mundial, el rojo representa un “estado peligroso“.
Cuando pensamos en el color rojo lo relacionamos con el fuego o la sangre. Siempre ha representado la fortaleza y la valentía, además de la violencia y la agresividad. Esto le hace también ser uno de los colores que significa prohibición, y es habitual verlo en símbolos de advertencia, ya que llama mucho la atención. Los significados del rojo están casi todos ligados a las emociones fuertes. Simboliza la pasión y la lucha por conseguir las cosas, podríamos decir que cuando pensamos en este color lo hacemos siempre desde el lado de las emociones, ya que es una tonalidad totalmente emocional y muy ligada a la parte más pasional y animal del ser humano. También significa agresividad como ya hemos dicho anteriormente. Al ser el color de la sangre, lo asociamos a todo lo relacionado con peleas y muertes con violencia. El color rojo simboliza el fuego. Es el más caliente de todos los colores. Muchos estudios afirman que el color rojo tiene un significado tal que puede llegar a afectar de forma física, aumentando la presión arterial y el ritmo respiratorio. Un color fuerte que evoca una serie de emociones aparentemente contradictorias con el amor, como la violencia o la guerra. Tanto Cupido como el Demonio son de color rojo. Por lo tanto para mi en ROJO quiero hablar de emociones fuertes entre los seres humanos y lo que las diferentes culturas proporcionan en estos estados tan fuertes. También es una manifestación sobre la sociedad y el mundo en que vivimos… ¡Querer alzar la voz, el cuerpo, la danza….y que puedan escucharnos!

¿Qué tipo de gente son los que más nos atraen o a los cuáles queremos imitar y por qué? ¿Qué animal es el que más se asemeja con ese poder…. pero que al mismo tiempo lo lleva oculto? Así como el rojo es un color de poder y fuerza, yo quiero trabajar una pieza partiendo de ese poder y esa fuerza.

Rojo es un proyecto que plantea al cuerpo como primer terreno de encuentro con nosotros, con el mundo, como espacio de pensamiento, productor de unidades de sensación, de conceptos, de placer, nuestros cuerpos en el caos, nuestros cuerpos como puentes, reflexionando sobre nuestros contextos; me interesa encontrarme en la diferencia, en el desacuerdo, en lo disonante; devenir la creación desde el cuerpo, desde el movimiento vital. Es un proyecto filosófico porque la escena es Filosofía y el cuerpo también; pienso que la escena te exige totalidad.

Rojo, se estrena en el Festival One Smal Step. Corfú, 28 de julio de 2018.

Rojo, se estrena en España, en el Festival La Espiral Contemporánea. Santander, 6 de septiembre 2018

Rojo, ha sido Premio a la Mejor Intérprete en el Festival La Espiral Contemporánea. Santander, 2018.

ROJO
Intérprete
Victoria P. Miranda 
Idea, creación y coreografía
Victoria P. Miranda
Vestuario
Matías Zanotti / Victoria P. Miranda
Fotografía
Giannis Dimitras Street Photography / Soledad & Nel Photography

Victoria P. Miranda (Bailarina)
Coreógrafa, intérprete, creadora y profesora. Es máster en Artes Escénicas por la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid. Licenciada en Pedagogía de Danza Contemporánea, por el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila de Madrid, Centro de Danza Contemporáneo CNDC L’Esquisse, Angers (Francia), y en Técnica Cunningham con Merce Cunningham en New York, además de formarse con multitud de cursos y worskshops. Baila y coreografía sus propios trabajos y para DAR en San Petersburgo, Praga School Dance, Festival Trayectos Zaragoza, Conservatorio Profesional de Alicante, Escuela 180, Compañía Nacional de Costa Rica, Conservatorio SODRE de Montevideo, Compañía Dantzaz, CSDMA, Conservatorio Profesional de Burgos, Universidad de Xalapa en México, Carmen Werner…, entre muchos otros.

Profesora invitada para impartir workhops en The Place School en Londres, Marameo School de Berlín, Henny Jurriens Foundation de Amsterdam, Staatstheater Kassel, Tanzhaus– Düsseldorf, Cocoon Dance Company, Linga Company, Cooperative Maura Morales, Erick Trotier Dance Collective, Genossenschaft Konzert und Theater St.Gallen, Provisional Danza, Compañía Megalo, Compañía 10 & 10, Compañía Nacional de Costa Rica. Marta de la Vega, Carmen Senra, Danza 180 Grados (Madrid), Universidad Católica de Murcia, Nunart (Barcelona), Descalzinha Danza. Y para otras entidades en Maracaibo (Venezuela); Mazatlán y Xalapa (México); Bogotá, Pereira, Cartagena de Indias (Colombia); Brasilia, Sao Paulo, Goiania, Florianopolis, Natal, Salvador de Bahia (Brasil); Tokyo (Japón); La Paz, Cochabamba (Bolivia); Vancouver, (Canadá); Corfu (Grecia) y Costa Rica.

Domingo, 7 de marzo

ASTROCANTO. Duración 20′

Astrocanto es la materialización del poemario de Sofía Díaz Gotor. Tres capítulos que van de lo naciente a lo concreto, diluyéndose en lo absoluto. Es un viaje que se mueve en los límites, aborda la eterna pregunta esencial y nos lleva a la fragilidad y lo trascendental. Dos presencias escénicas que se muestran sin artificio; simplemente, dejan que suceda lo inevitable.

 

ASTROCANTO.
Intérpretes y coreografía
Teresa Magallón Cortés (Bailarina y coreógrafa)
Sofía Díaz Gotor (Creación, interpretación musical y textos)

Voz
Teresa Reula
Apoyo coreográfico
Ana Cotoré
Fotografía
Zarzel

Sofía Díaz (músico)
Forma parte, desde 2014, de la Compañía Alodeyá Circo Danza, encargándose de la composición e interpretación musical y de textos, además de la creación. Formada en piano, sigue estudiando un amplio abanico de instrumentos. Escribe y acompaña desde la poesía y la escritura expresiva.

Teresa Magallón (artista multidisciplinar)
Es una artista escénica y audiovisual. Se especializa en trapecio y danza. Premiada como Joven Promesa de Circo aragonés en 2018, forma parte de la Sweet Chilli Circus Company.

 

A RASTRAS. Duración 10 ‘

La coreografía habla sobre los cuerpos y el espacio que les rodea; sobre sus arquitecturas, soportes y relaciones. Sobre cómo se componen entre sí. Como punto de origen, la pieza se inspira en una mudanza y en lo que ésta implica. Se investiga sobre la necesidad de tener puntos de apoyo, de sostener y ser sostenidos. El encaje,  apoyo, acumulación, rotura, caída o desecho, son temas de motivación para el desarrollo del trabajo.

 

A RASTRAS
Intérprete y creación
María Ganzaráin Pina 
Música
Espacio sonoro ambiental y Salve Regina, de Vivaldi
Mirada externa
Yeinner Chicas

María Ganzaráin (Bailarina)
Artista multidisciplinar, graduada en Bellas Artes por la U.C.M. y formada en artes escénicas, principalmente en danza contemporánea. En 2019-20 forma parte de la Compañía joven Fre3Bodies, bajo la dirección de Nicolas Richinni y Nadine Gerspacher. Al mismo tiempo, forma parte de Towards Vivencia, proyecto del coreógrafo Jorge Crecis. Ha trabajado en colaboraciones como intérprete con Kònic Thtr, la Compañía Lôkke o Ingrid Magrinyà. En la actualidad, es artista residente del Centro Coreográfico de La Rioja.

DU-ENTRO. Duración 15′

Du-entro es una obra surgida a raíz de la Covid-19, y por tanto, influenciada por ella. Dos artistas jóvenes muestran las dificultades que se viven en la sociedad actual, los enfrentamientos con los que se encuentran y el proceso hasta encontrar solución a todo aquello. Matilde Casini y Beatriz Cubero exploran, tanto emocionalmente como corporalmente, creando una combinación completa entre ambos aspectos. Desde la rigidez, el trabajo de repetición, hasta llegar a la fluidez y compenetración de ambas artistas. En esta pieza, se experimenta el conflicto, la contradicción y la evolución que ello engloba, hasta el ser capaz de dejar ir, siempre con el propósito de empatizar con el público y conectar con él desde la naturalidad, la unión y la libertad.

 

Colectivo DU-ENTRO.
Intérpretes, dirección, creación y coreografía
Beatriz Cubero
Matilde Casini 

Antes de unir fuerzas para desarrollar juntas su obra, Beatriz Cubero, se formó en el Conservatorio Municipal Profesional de Danza de Zaragoza y Cobosmika (Girona). Por otro lado, Matilde Casini, se forma en el Liceu Coréutico (Italia) y en la Copenhagen Contemporany Dance School. Hasta que se encuentran en la joven Compañía Fre3Bodies (Barcelona), donde formaron parte de creaciones con artistas como como Nicolas Ricchini, Nadine Gerspacher, Jos Baker, Jorge Crecis, la Compañía Vaya Movements, entre otros. La propuesta Du-Dentro es la primera creación que desarrollan conjuntamente ambas bailarinas.

 

SURCO. Duración 17′

El proyecto Surco nace del interés por la investigación artística y coreográfica de Jimena Martínez, Ariadna Llussà y David Serrano, en colaboración con el percusionista Luis Azcona. En los surcos se escriben los relatos de las voces de la batalla. Esas voces silenciadas que no pudieron ser escuchadas. Esas hendiduras en la tierra, esconden la preocupación y el miedo de lo que pueda suceder. la preocupación por el futuro, quiebra el momento presente. El instinto de supervivencia nos guía, pero no siempre nos hace tomar las mejores decisiones. Quizá es el momento de resguardarse, cubrirse, protegerse, ¿pero eso no nos hace cobardes, tal vez? El montón de tierra nos cubre las inseguridades. La batalla acecha y todos formamos parte de esta lucha, en la que sentimos frustración y fracaso al ver compañeros heridos. Formamos parte de un plural y queremos combatir nuestras debilidades, haciéndonos escuchar y decir todo lo que se ha olvidado.

 

SURCO.
Intérpretes y coreografía
Jimena Martínez
Ariadna Llussà 
David Serrano 
Música
Luis Azcona  

Jimena Martínez (Bailarina)
Bailarina nacida en Burgos. Comenzó sus estudios de danza a los 4 años, y en 2006 entró en el Conservatorio Profesional de Danza de Castilla y León, en Burgos. Durante sus 10 años de estancia en el Centro, trabajó piezas de coreógrafos como Nacho Duato, Mauro Bigonzetti y Jean-Cristophe Maillot. Terminó sus estudios con Premio Extraordinario y Premio Nacional de Danza en educación. En 2016, entra a formar parte de LaMov Compañía de Danza de Zaragoza, donde baila profesionalmente hasta 2020. En 2019, trabajó en Dantzaz, con Led Solhouette, en el País Vasco. Durante su trayectoria, ha interpretado piezas de Luisa María Arias, Francisco Lorenzo, Víctor Jiménez, Sharon Fridman, entre otros. En la actualidad trabaja en colaboración con David Serrano y en varios proyectos artísticos.

Ariadna Llussà (Bailarina)
Nace en Reus, donde comienza sus clases de danza en la Escuela Artis de la misma ciudad. Posteriormente estudia profesionalmente danza clásica en el Estudio María de Ávila de Zaragoza. Continúa sus estudios en Londres, donde se gradúa con un grado BA (Hons), en Profesional Dance & Performance en la Central School of Ballet, y entra a formar parte de la Compañía Ballet Central. En 2013 entra a formar parte del Ballet Junior de Ginebra, interpretando piezas de Wayne McGregor, Alexander Ekman, Cindy van Acker, Stjin Celis, entre otros. Durante su trayectoria, ha bailado en las Olimpiadas de Londres 2012 y como invitada en diversas galas. Ha bailado también, en el espectáculo Sounds of Music, bajo la dirección de Olivier Dubois, en Lausanne y Ginebra. Ha formado parte de la Residencia Metamorphosis International Dance en San Sebastián, Shanghai y Lisboa. Colabora como bailarina con la Compañía Plan B de Arantxa Sagardoy y Alfredo Bravo, Los Días de Penélope y la Compañía Cienfuegosdanza, bajo la dirección de Yoshua Cienfuegos.

David Serrano (Bailarín)
Nacido en Barcelona, termina sus estudios en el Institut del Teatre de Barcelona. Durante su trayectoria, ha formado parte del elenco de compañías nacionales e internacionales, como Vision of Dance en su gira asiática, Metamorphosis Dance de Iratxe Ansa e Igor Bacovich, además de LaMov Compañía de Danza, de Zaragoza. Ha interpretado piezas de Sharon Fridman, Luisa María Arias, Francisco Lorenzo, La Macana, Itzik Galili, Alessio Atanasio y Kiril Radev, entre otros. Además de su trayectoria como intérprete, David Serrano trabaja en proyectos propios como coreógrafo.